Sacrée semaine ! : Moses Sumney & Kelela 2017

Moses Sumney - Aromanticism (2017)

  Deux des albums les plus intéressants de l'année sont sortis en même temps vendredi 06 Octobre 2017 : Aromanticism de Moses Sumney et Take Me Apart de Kelela. 

  Révélé par Frank Ocean, ayant tourné avec Sufjan Stevens, ayant participé à la chanson "Mad" de Solange et Lil Wayne, on se doutait que le californien Moses Sumney voyait la musique comme quelque chose de trop grand pour être confiné dans des genres étriqués. Mais l'ampleur de cet album est inouïe. Imprédictible. En effet, à l'aide d'acolytes prestigieux, comme le formidable jazzman éclectique Thundercat à la basse, ou Matt Otto (du groupe de pop-rock indé Majical Cloudz) à la production, Sumney dépasse tous les cadres de la musique. 

  L'album démarre comme un disque de pop baroque 60's avec les choeurs de "Man On The Moon (Reprise)" et le psychédélisme folk de "Don't Bother Calling", porté par des arpèges beaux comme du Radiohead, une voix quelque part entre Prince, Smokey Robinson, Marvin Gaye, Sam Cooke, Thom Yorke, ANOHNI, et Tim Buckley. 

  La pop indé qui en ressort fait autant penser aux climats froids et immaculés de Grizzly Bear qu'à la nu-soul d'Erykah Badu, au chant éraillé mais plein de soul de Sly Stone ou Connan Mockasin ou qu'à l'opéra intimiste du dernier Arca dans ses flashes de cordes. Le dépouillement total de "Doomed" (qui possède un très beau clip dispo ci-dessous) vous fera penser à ce dernier et à Yorke, et vous émouvra surtout au-delà du raisonnable.

Moses Sumney - Doomed (2017)

  "Plastic" évoque dans sa beauté pure le meilleur de la bossa, ainsi que la soul/rnb teintée de folk de Lianna La Havas, les inflexions jazz de Tim Buckley ou de Joni Mitchell. 

  "Quarrell" continue sur un rythme presque calypso avec une ambiance easy listening presque désuète et un chant carrément gospel comme un Cee-Lo Green sensible, porté par des montagnes russes folk-rock dignes d'A Moon Shaped Pool. Le folk presque pastoral d'"Indulge Me" filera aussi directement dans la catégorie petite merveille.

Moses Sumney - Plastic (Live, 2017)

  La construction méticuleuse de l'album et sa grandeur sont aussi reflétées dans les interludes "The Cocoon-Eyed Baby" et "Stoicism" dont le field recording et le spoken word sur une prod presque ambient rappellent autant les dernier Blood Orange (THE album de 2016) et Frank Ocean que le travail d'Arthur Russel. D'autant plus que ce morceau se fond dans un "Lonely World" d'abord dissonant puis psyché-folk puis quasiment house avec un aspect minimaliste façon Terry Riley dans la répétition de la boucle principale et son enrichissement, ainsi que des percussions afro-jazz merveilleuses et une basse virtuose sur la fin. D'ailleurs, ce titre (lui aussi doté d'un très bon clip, cf ci-dessous) n'est jamais aussi bon que dans le contexte de l'album, qui se révèle être bien plus que la somme de ses parts tant il est bien construit. 

Moses Sumney - Lonely World (2017)

  Le rnb sensuel de "Make Out In The Car" est accompagné d'une merveilleuse flûte et de ponctuations orchestrales qui, mêlées à l'électronique, rappellent Sufjan Stevens. Et le rnb expérimental de "Self-Hate Tape" déroute tant il foisonne d'une vie complexe et belle. 

  Pour ne rien gâcher, l'artwork est sublime, et l'axe suivi par les textes basés autour du concept d'"aromantisme", c'est à dire le questionnement autour de la place du couple dans notre société (a-t-on toujours besoin d'un l'autre ? peut-on être heureux seul ? peut-on imaginer d'autres formes de liens, d'autres vies ?) est original, personnel, touchant et hyper intéressant. 

  Bref, un des albums de l'année, si ce n'est le numéro (on verra ça avec le recul), que je vous recommande de toutes mes forces d'aller écouter (par ici par exemple).

Kelela - Take Me Apart (2017)

  Avec une sensibilité différente, qui est la sienne, la chanteuse Kelela brasse elle aussi des influences larges et dépassant largement le cadre du rnb dans lequel on pourrait trop facilement la cadrer, par paresse intellectuelle ou par préjugés raciaux. La production est en effet ultra-moderne, très électronique, avec un côté néo-80s, et le chant oscille entre rnb, soul, rap, et pop. Dès l'introductif "Frontline", on entend tout ça. Le côté insistant, presque ambient de la prod, presque dystopique aussi (on n'est pas loin de Blade Runner dans l'ambiance), les inflexions trap des rythmiques et de la voix du refrain, la douceur de velours qu'elle invoque pour les couplets. Ce n'est pas pour rien qu'elle est signée chez Warp.

  Ce mélange rétro-futuriste et ultra-moderne, ayant pour thématique principale l'amour charnel (visible sur les très beaux visuels et la pochette), est aussi très audible dans "Waitin", qui évoque tour à tour Mariah Carey, Michael et Janet Jackson, et Timbaland. Ou "Take Me Apart", qui mêle une électronique multicolore post-dubstep à la Son Lux, un rnb classique des 90's, une pop accessible de mégastar des années 2000 et un son deep house assez anglais. Prenant un chemin opposé sur "Enough", Kelela noie le mix sous des nappes de synthé écrasantes et oniriques soutenues par sa voix puissante et belle et propulsée par une rythmique martiale. Presque de la dream-pop, dans une démarche proche de Grimes ou Crystal Castles à leur plus apaisé. Comme "Blue Light", qui sonne weird comme la Madonna de "Music" ou Björk à son plus énervé, sur une prod proche du 808s & Heartbreaks de Kanye West passée à la moulinette d'un post-dubstep musculeux et d'une trap agile.

  Mais l'apogée de ce mélange, c'est le superbe single "LMK", à la prod à la fois rétro et moderne (entre Timbaland, Arca et Mike WiLL Made-It en gros), et aux vocaux carrément rnb. Et avec un clip sombre qui est un immense hommage aux superproductions de l'époque. Dans le même genre, "Truth Or Dare" étonne avec un break absolument génial, entre Prince, Dâm-Funk et Jai Paul.

  Sur "Onanon" planent les fantômes des divas de plusieurs générations (des girls group à Beyoncé et SZA en passant par les girls group 60's, Aaliyah et tant d'autres) le morceau es ultra-mélodique et impressionnant vocalement, et arrive à rendre ultra-tubesques et énormes des arrangments et une construction pas si évidents que ça. Ce côté soul et rassembleur est également bien exploité sur la mélancolique "Altadena", très jacksonesque également dans ce chant incroyablement touchant et dans cette instru néo-80's. 

Kelela - LMK (2017)

  On pense également à MJ, ainsi qu'à Nao, sur la douce ballade hypermoderne et atmosphérique "Jupiter". Égalée en beauté par la suivante, "Better", avec un feeling soul froid à la Blood Orange ou Solange. Ce sens du dénuement et du storytelling dans un chant à forte personnalité parcourt aussi "Turn To Dust" magnifiée par des arrangements orchestraux parfaits, et trouve son point d'orgue sur la très belle "S.O.S". On retrouve cette même démarche, en mode trap-pop, sur "Bluff". 

  En bref, l'album est vraiment bon, c'est un incontournable de cette année et un grand pas en avant pour l'artiste qui a mis longtemps à le fignoler, ce qui a fini par payer.

A écouter par là.

Alex

  

Rap Updates 2017 : Vince Staples, JAY-Z, Young Thug

Vince Staples

  Le rap est un univers compétitif, tout le monde le sait. Et pour durer, il faut changer. D'autant plus que le genre commence à sérieusement dater, et qu'on assiste par conséquent à certaines révolutions : des mentalités et du discours d'abord (envers l'expression d'émotions ou des sujets aussi divers que l'orientation sexuelle, le féminisme ou la dépression) ainsi que de l'esthétique globale (ouverture musicale toujours plus grande, éclosion de virtuoses). Révolutions auxquelles il faut s'adapter pour saisir son époque, rester pertinent, percutant et artistiquement intéressant, et ce que l'on soit un artiste vétéran, un jeune premier ou quelque part entre ces deux extrêmes, et c'est ce que nous allons voir avec ces trois exemples : Vince Staples, Young Thug et Jay-Z.

Vince Staples - Big Fish Theory (2017)

  Vince Staples est unique. Après un premier album aux sonorités post-punk et psychédéliques à l'allure de chef-d'oeuvre, il a pondu le très bon EP complètement barré Prima Donna, il était sur le meilleur morceau du dernier Gorillaz, et il est revenu cette année avec ce disque qu'il qualifie lui-même d'afro-futuriste. Très électroniques, les prods sont à la fois référencées (on y entend successivement toute l'histoire de l'électro et en particulier son héritage chicagoan) mais également très modernes, à l'image du très cadré et presque pop (grâce au chant de Kilo Kish) "Crabs In The Bucket" qui ouvre le disque. Cet aspect électro-pop, mi-expérimental mi charmeur, parcourra tout le disque, de "Alyssa Interlude" évoquant l'ouverture musicale totale et le spleen de Damon Albarn sur un sample des Temptations et une interview d'Amy Winehouse. Albarn qui pointe le bout de son nez lors du morceau suivant, le magnifique gospel technoïde "Love Can Be..." dans lequel sa voix est réduite à l'état de sample, Staples maîtrisant son disque d'une main de fer.

Vince Staples - Bagbak (2017)

  Parfois, on sa retrouve avec de gros bangers électro comme la puissante techno de "Homage", "Party People" (avec un je ne sais quoi jamaïcain), "SAMO" ou "Yeah Right" qui détonnent complètement, à part chez Kanye West, Danny Brown et Pusha-T, difficile d'entendre des beats aussi étranges chez un artiste de ce calibre. D'ailleurs, c'est le king Kendrick Lamar qui sublime ce dernier morceau d'un couplet d'anthologie d'une puissance crasse à même de ramener tous les jeunes bidouilleurs de distorsion du soundcloud rap à leurs chères études. D'ailleurs, ce n'est pas pour rien que le single "BagBak", qui claque bien, ait été envoyé en éclaireur. Sa maestria rythmique rend la track produite par Ray Brady absolument irrésistible.

Vince Staples - Big Fish (2017)

  Malgré le côté inédit du projet, les références à ses pairs ne sont pas absentes. Avec un feat de Juicy J, et sur une prod de Christian Rich, le morceau "Big Fish" évoque le travail de rénovation du G-Funk de DJ Mustard et YG. Approche doublée sur un "745" qui mêle le hip-hop funky californien et la trap d'Atlanta grâce à un liant électronique.

  Mais le clou du disque c'est ce "Rain Come Down" dont j'ai déjà parlé précédemment, dans lequel on a tout : le côté dub, la house, la techno, le rap virtuose, le gospel/rnb grâce au surdoué et sous-estimé Ty Dolla $ign, et l'électro-pop néo-80's belle à pleurer mêlée à un lead G-Funk surréel sur la conclusion angélique du morceau. 

Vince Staples - Rain Come Down (2017)

  En réalité, ce qui tient ce disque, outre la constante qualité des productions et leur homogénéité esthétique, c'est le flow inimitable de Staples, désabusé, fier, arrogant, intelligent, implacable, agile et minimaliste à la fois. Et comme toujours, il a su s'entourer pour proposer une oeuvre totale aboutie et impressionnante (la pochette et les clips valent le détour).

  Un grand disque, de bout en bout, que je vous encourage à écouter par exemple par ici. Et un bel exemple de réinvention musicale, très tôt dans une jeune oeuvre prometteuse et déjà bien remplie.

JAY-Z - 4:44 (2017)

  Tout part de "Glory". Sorti en 2012, ce morceau, produit par les Neptunes (Pharrell Williams & Chad Hugo), évoque la naissance de Blue Ivy Carter, le premier enfant de Jay-Z, d'une façon assez inédite chez le rappeur puisqu'il y est d'une vulnérabilité totale. La fierté et les peurs de la paternité, la relation avec sa femme, la douleur d'une précédente fausse couche et l'angoisse qu'elle a entraîné, l'amour d'un père pour sa fille... Tout est abordé, sur un beat simple, beau et plein de soul samplant le battement de coeur de sa fille et ses premiers cris. Un très bon morceau.

Jay Z - Glory (2012)

  Mais l'année d'après, on a affaire à un Magna Carta Holy Grail (2013) un peu lourdingue et pataud souffrant de l'énormité de ses beats (sur)produits par une armée entière selon les normes du moment (en partie définies par son travail avec Kanye West en 2011 sur Watch The Throne), ainsi que d'une baisse d'inspiration de la part du rappeur, malgré de bons moments. Après ce disque surviendra une longue ellipse, dans laquelle Sean Carter s'effacera au profit de sa femme Beyoncé, et gérera ses affaires dans l'ombre. Malheureusement, même loin du micro, il est resté sous les projecteurs pour de mauvaises raisons, un adultère qu'il aurait commit, révélé par le comportement de sa belle-soeur Solange dans une vidéo de surveillance devenue ultra-connue, et confirmée par l'album multi-acclamé "de la revanche" de sa femme, Lemonade, en 2015. Le couple ayant apparemment réglé ses comptes en privé (ce qui ne nous intéresse guère d'ailleurs), Jay-Z se devait apparemment de répondre musicalement, et peut-être que ces petits coups de piques égratignant son image publique devenue éminemment respectable sous Obama ont réveillé le taureau, allez savoir.

JAY-Z

  Toujours est-il que pour ce nouvel album, Jay est revenu à ses premières amours, les beats soul (tous magnifiquement produits à l'ancienne par un seul producteur, No I.D., magistral ici), et à l'authenticité émotionnelle de "Glory".  Cette simplicité se retrouve jusque sur la pochette, sans mention de Jay mais avec un peu d'ego quand même, avec ce malicieux rappel sur le statut du rappeur (c'est quand même son 13e album !). Et ce disque, suite à cette impulsion, a démarré une nuit agitée, à 4h44 du matin, lorsque Jay s'est mis à écrire furieusement "4:44", donnant son nom à l'album (et durant 4 minutes et 44 secondes tout pile). Le titre, considéré comme le plus puissant par le rappeur, est construit autour d'un sample de "Late Nights & Heartbreak" interprétée par Hannah Williams & The Affirmations, composée par Kanan Keenay et magnifiquement trituré par No I.D., qui affirme avoir voulu tirer le meilleur d'influences comme What's Going On de Marvin Gaye (1971), Illmatic de Nas (1994), The Blueprint de Jay-Z (2001), Confessions de Usher (2004), ou My Beautiful Dark Twisted Fantasy de Kanye West (2010).

Hannah Williams & The Affirmations - Late Nights & Heartbeak (2016)

  Le titre du rappeur, comme le morceau dont est issu le sample, parle d'infidélité, et constitue une vraie lettre ouverte d'excuses à sa femme. Tout le génie de No I.D. est d'avoir conçu ce beat en sachant que Jay-Z voulait écrire un morceau de ce type, dans le but précis de le forcer à raconter cette histoire en toute vulnérabilité. La réponse de Jay en entendant le beat ? "Ok, je rentre à la maison". Et c'est cette fameuse nuit qu'il se réveillera pour écrire le texte. Qui est riche, brassant les questions du couple, de la paternité, de ce que ça signifie que d'être un homme. Ces questions sont remises dans le contexte d'une célébration de la culture populaire, en particulier black, dans le clip fait de collages de vidéos virales chopées sur internet.

JAY-Z - 4:44 (2017)

  A partir de ce morceau déclencheur, c'est un grand album qui peut se dérouler devant nos oreilles ébahies. On va tout de suite traiter du cas du 1er morceau du disque, également le 1er enregistré, "Kill Jay Z" dans lequel le rappeur parle de tuer son propre ego (symbolisé par le passage officiel du nom Jay Z en JAY-Z pour ce LP), après avoir récapitulé une liste de ses errances passées et des erreurs qu'il a commises dans sa façon de les gérer. Le morceau est construit autour d'un sample de "Don't Let It Show" par le Alan Parsons Project (1977), et est magnifiquement mis en image dans un clip prenant, allégorie de la fuite en avant du rappeur.

JAY-Z - Kill Jay Z (2017)

  Mais c'est bien "The Story Of OJ" mon morceau préféré de ce disque. Musicalement impeccable, il repose sur le merveilleux "Kool Is Back" de Funk Inc. (1971), et surtout le poignant "Four Women" (1966) de Nina Simone, le genre de samples hors de prix que seuls Jay et Kanye peuvent se payer (ou presque). Magnifique par sa musique et son interprétation vocale, il évoque avec brio un thème sous-jacent aux précédents morceaux, et qui a peut-être aussi poussé Jay-Z à sortir de son silence : la condition des afro-américains aux USA en 2017. Je n'ai rien à dire de plus, si ce n'est qu'il faut l'écouter et regarder son clip, sans doute un des meilleurs de l'année, inspiré du livre The Story Of Little Black Sambo (traduit en "Sambo, le petit Noir" en français) de Helen Bannerman (1950), livre controversé truffé de clichés racistes. On y suit Jaybo, l'avatar de JAY-Z, déambulant dans un univers proche des premiers Disney en noir et blanc, version raciste. Très puissant, visuellement et conceptuellement.

JAY-Z - The Story Of OJ (2017)

  Autre sample hors de prix pour une prod excellente : "Love's In Need Of Love" (1976) de Stevie Wonder, sur "Smile" dans lequel on entend un Jay optimiste, parlant de transformer les erreurs du passé en leçons pour un futur meilleur, et permet à sa mère de faire un coming out en direct devant le monde entier sur l'outro décidemment inclusive de la chanson. Et cette mentalité n'est pas la seule trace de modernité de la track, on y entend également les premières concessions à la modernité : un beat et un flow influencés par la trap. 

  Mêmes les morceaux plus légers valent le détour. Le reggae samplant une fois de plus Nina Simone de "Caught Their Eyes" est sublimé par Frank Ocean. L'autre morceau influencé par la Jamaïque, "Bam", avec Damian Marley utilise le même morceau de Sister Nancy comme source de sample que le "Famous" de Kanye. Il lasse un peu à force de répétitions, mais a le mérite d'être accrocheur. 

      

JAY-Z & Damian Marley - Bam (2017)

  Dans le même esprit, en plus sombre et plus intéressant, "Moonlight" intrigue. Son clip, détournement afro-américain de Friends, vaut le détour également. Tout comme le superbe morceau "Family Feud", samplant Beyoncé et les Clark Sisters, et le classique "Marcy Me" et son refrain rnb, qui utilise l'autotune, les effets dub et le côté soul-rap façon J.Cole avec subtilité. Retour au classicisme également avec "Legacy", comme un décalque fatigué et usé par le temps de son pétaradant, fier et classique Black Album (2003).

JAY-Z - Moonlight (2017)

  Les bonus produits par James Blake valent également le détour : le triste "Adnis" nommé d'après son père et le minimaliste "ManyFacedGod". D'un autre côté, le freestyle de sa fille sur "Blue's Freestyle / We Family" fait sourire, mais n'est pas aussi intéressant, même s'il a le mérite de valider mon argument sur "Glory" comme source d'inspiration de ce disque.

  Bref, le retour de JAY-Z est étonnamment monumental et indispensable, et c'est un vétéran du rap plus pertinent que jamais qui revient avec un album on ne peut plus personnel, gavé de prods brillantes, que demander de plus ?

JAY-Z - ADNIS (2017)

JAY-Z - ManyFacedGod (2017)

Young Thug - Beautiful Thugger Girls (2017)

  Le dernier exemple de réinvention rap réussie n'est pas une énorme surprise, puisqu'elle nous vient d'un caméléon. Young Thug se paie en effet le luxe depuis des années de se réinventer presque à chaque sortie, ouvert à toutes les influences et les collaborations hors du rap (Jamie xx, Calvin Harris...) comme son idole Lil Wayne, tout en gardant son ADN trap tout droit issu des premiers singles de Gucci Mane.

  Ainsi, à l'image de cette pochette "photoshoppée à l'arrache" façon collage, le premier titre de l'album, "Family Don't Matter", donne le ton : guitares tour à tour rnb sucré façon 90's et country-folk, le beat est définitivement d'Atlanta dans l'esprit, le flow riche oscille entre rap alien post-Wayne, country ("yee-ha !", le refrain), trap, pop et inflexions jamaïcaines. Et Millie Go Lightly fait une excellente partenaire de chant, pour des choeurs aussi étonnants que magnifiques comme pour des soli rnb-pop éblouissants. D'ailleurs, son autre collaboration avec Thugger sur ce disque, "She Wanna Party" est une autre réussite totale, dans un genre de trap néo-dancehall inauguré précédemment par Young Thug avec son acolyte Travis Scott sur "Pick Up The Phone" (2016) il y a quelques mois. Ce tube absolu est une vraie party song hédoniste, de la pop post-moderne, post-trap. 

Young Thug

  Et ces deux morceaux résument bien l'esprit conquérant de ce singing album, co-produit par Drake : réaliser un crossover trap, pop, country-folk, dancehall et électronique. Pour cela, il a su s'entourer de producteurs compétents comme Rex Kudo, London On Da Tracks, Wheezy ou le producteur "folk-trap" Charlie Handsome, ainsi que de personnalités éclectiques comme le guitariste, metalhead et rappeur Post Malone par exemple. 
  Ainsi que son fidèle ingénieur Alex Tumay, seul à être habilité à entendre Thugger en studio et à mixer sa voix.

  On peut s'amuser à énumérer les influences oxymoriques de ces morceaux. La triste et chargée "Tomorrow Til Infinity" s'inspire de la noirceur des prods de Travis Scott, de la façon de traiter un sample post-punk dans du rap de Kanye West sur la tout aussi déchirante "FML" (2016), d'un je ne sais quoi de la sciences de l'espace qui caractérise les meilleures prods du rockeur-rappeur Post Malone, et du gospel autotuné plein de soul et hypermoderne du golden boy Ty Dolla $ign.

  "Daddy's Birthday" est également pleine de soul dans le chant, ainsi que dans la musique traitée comme un sample de muzak par un producteur de vaporwave, avec une nonchalance post-"Hotline Bling" de première fraîcheur. Quiet Is The New Loud... 

Young Thug & Future - Relationship (2017)

  Comme je l'ai dit, ce disque est un disque de crossover, notamment pop. Et il est donc gavé de tubes. Comme "Do U Love Me", irrésistible trap-pop post-dancehall. Ou "Relationship", hyper putassier, avec Future, entre construction presque EDM et esthétique bling bling 80's-90's (cf le clip ci-dessus). Crossover rnb aussi, avec ces guitares sirupeuses un poil latino sur "You Said", qui auraient pu figurer sur un disque du mitan des 90's et encadrent un chant affecté hésitant entre la mise à nu émotionnelle et le second degré à force d'exagérations. Avec Quavo dans le rôle de la chanteuse rnb (c'est aussi à ça que sert l'autotune). 

  Puisqu'on parle de sirop et donc d'amour, c'est une bonne occasion d'aborder les textes. Pas géniaux sur le fond malgré quelques fulgurances, ils sonnent en revanche divinement bien à l'oreille (c'est normal, c'est de la pop !), et parlent presque tous de l'amour de Thugger pour sa copine (avec force détails explicites, c'est normal c'est du rap, ne pas s'effaroucher pour si peu on est en 2017, la poésie est crue).

Drake & Young Thug

  La fin de l'album est un peu en deça par contre. "On Fire" est sympathique mais moins captivante que les autres ersatz dancehall présents ici, malgré un parti pris dark original pour le genre. "Get High" est également appréciable, mais pas transcendante malgré un intéressant côté G-Funk 4.0 assisté par Snoop Dogg en personne. "Me Or Us" est également bien cool dans le registre country-folk sans crever le plafond. Tandis que "Feel It" et "Oh Yeah" sont des exercices trap-pop interchangeables, que "For Y'all" lasse malgré ses cuivres latino, et que "Take Care" fait dans la surenchère électronique un peu douloureuse. 

  J'aurais personnellement préféré que ces morceaux soient considérés comme des bonus tracks, ou fournissent un EP à part, plutôt que de ternir et rallonger inutilement ce disque. D'autant plus que question dépouillement émotionnel, Thugger avait fait beaucoup mieux avec "Safe", que j'aurais préféré entendre ici et ne mérite pas son statut de single isolé (le clip, présent ci-dessous, est cool aussi). Dans une moindre mesure, la trap tropicale de "All The Time", elle aussi absente du disque, valait davantage le détour que ces derniers titres.

Young Thug - Safe (2017)

  Bref, malgré une fin d'album comme qui se dégonfle un peu au fur et à mesure, ce disque fait quand même partie des LP marquants de l'année pour moi, et reste un superbe exemple de réinvention artistique réussie.

A écouter ici.

Merci pour votre lecture et vos commentaires, et à bientôt !

 Alex

Kodak Black - TRANSPORTIN (2017)

  Un morceau bien fun du rappeur qui me surprend en bien des derniers temps, avec un sample soul/funk efficace et un clip réalisé à l'arrache par Kodak Black lui-même qui transpose bien l'énergie fun, sans prise de tête et DIY du morceau.

Alex

  

Ol' Burger Beats - Mind Games (2017)

  Beatmaker basé à Oslo, en Norvège, Ol' Burger Beats s'est entouré de 13 MC pour concocter ce merveilleux disque de hip-hop riche en soul. Sa formule ? Mettre en avant les percussions jazzy de ses prod, avec balais sur la batterie, inspirée des disques de jazz scandinaves des années 60 et 70. D'ailleurs, il le dit sur son bandcamp, rien ne l'émerveille plus que le collage lui permettant de caler des accords samplés sur un disque US sur une rythmique venue de Pologne, comme si ces éléments étaient destiné à se rencontrer.

  Depuis le jazz nocturne de "Moon Is Out" et "Mind Games", impeccables de classe, aux discrètes touches G-Funk de "It's Black" et "Talking To Demons", en passant par les paysages féeriques de "Soundless/Daydream", entre bossa et musique de Zelda, tout est brillamment réalisé, avec un souci du détail et un amour de la musique palpables. 

Ol'Burger Beats, Oliver The 2nd & Ivan Ave - Mind Games (2017)

  On a un touchant sentiment de "fait à la main", avec un côté loser, dans le bon sens du terme ("My Only Outlet"). C'est une musique de gens à part, qui savent qu'ils ne concourront pas pour figurer au Top40, mais qui font ce qu'ils aiment avec authenticité, même si c'est trop désuet pour toucher les masses. Ce tempérament, on pourrait l'imaginer provenir de vieilles gloires encore fières, alors que tout le monde est extrêmement jeune ici. Ces jeunes gens poursuivent donc un but, un idéal, transmettent un héritage, portent fièrement une torche qu'ils savent plus éclatante que la moyenne. C'est palpable sur "Kool Aid Pool", dans le rap désabusé de Pink Siifu comme dans la prod organique d'Ol' Burger Beats, qui se termine comme la plupart des morceaux dans une magnifique digression instrumentale en guise de conclusion. Qui ne colle là encore pas du tout avec le canon entièrement électronique réglé à la nanoseconde des prods mainstream.

  Un versant plus soulful du disque se dévoile dans sa deuxième moitié, avec un enchaînement "One At A Time" / "Make Due" dévoilant une sensibilité 90's presque nu-soul sur les bords. Et puis que dire des samples orchestraux de "Chicken Soup" si ce n'est qu'ils me font fondre à chaque fois.

  Pas de doutes, Ol' Burger Beats a sa patte bien à lui et sait créer des instrus intemporelles d'une vitalité et d'une authenticité virtuoses, et il sait s'entourer des meilleurs jeunes MC pour accoucher d'une oeuvre totale visionnaire, passionnante et référencée.

Un merveilleux album à découvrir ici ou là.

Alex

Jazz 2017 : Eric Shaefer & Nubya Garcia

Eric Schaefer, Kazutoki Umezu, Naoko Kikuchi, John Eckhardt - Kyoto Mon Amour (2017)

  J'avais été bluffé par le précédent disque d'Eric Schaefer avec ses Shredz,  que j'avais classé parmi mes albums préférés de l'année 2016. J'attendais donc avec impatience la prochaine sortie du jazzman allemand. Le batteur et compositeur s'entoure ici de Kazutoki Umezu à la clarinette, Naoko Kikuchi au koto, et John Eckhardt à la basse, pour un album qu'il a voulu comme un pont entre les musiques occidentales et asiatiques après plusieurs séjours marquants au Japon et en Corée. 

De g. à dte : N.Kikuchi, K.Umezu, E.Schaefer & J.Eckhardt

  Qu'il soit dans un registre plus jazz, entre piques free et cool presque champêtre accentué par la magnifique clarinette d'Umezu, au rendu inédit grâce à l'utilisation du koto japonais ("Shoshu-San", composée par Shaefer ou "Hiei-Zan Nightfall"), ou dans un registre mêlant presque pop-folk et jazz ("Kussa Karu Otome", composée par Hiromu Handa, le grand joueur de koto, qui pourrait ravir plus d'un admirateur de Radiohead, tout comme "Ticket To Osaka"), le line-up émerveille. "Kansai Two-Face" fait presque le pont entre le son de ce disque et le jazz-rock avec son rythme enlevé et son tranchant bienvenu. Un superbe morceau.

  Le Japon rencontre le jazz plein de velours des 80's sur "Santoka's Walk" pour un résultat évidemment très cinématographique, alors que "Hiroshima Mon Amour" est quant à lui une reprise du thème de Georges Delerue & Giovanni Fusco pour le film du même nom. Ce qui est fou, c'est qu'à la première écoute de la version de Schaefer & ses acolytes, j'étais persuadé d'avoir entendu un piano, alors qu'il n'y en a pas. Mais le jeu collectif et tous les différents instruments font comme apparaître en filigrane un son de piano fantôme et compensent tout à fait son absence, pour une reprise magistrale de ce grand thème.

  Sur un disque de Schaefer, on s'attend à du free dissonant et en même temps assez fantastique dans le sens où il reste assez accessible et joue parfois de l'exagération pour créer des climats évoquant davantage des peurs d'enfants qu'une tension adulte ("Tengu"), avec un côté presque fantaisiste, un côté conte merveilleux. Cette tension est par contre palpable sur "Rokudan", qui utilise bien l'aspect mystérieux de la musique orientale. La petite touche de folie est aussi audible sur "Tohoku", composée par Umezu, où le groupe utilise le koto comme une mandoline italienne pour une belle ballade romantique riche en saccharine, qui peut à mon avis s'écouter au premier degré qu'au second voire au troisième. A la différence de "Shadow In The Woods", qui navigue en eaux troubles entre le romantique et le dissonant pour un résultat doux-amer subtil et magnifique. 

  Et pour conclure ce disque, un bonus ! C'est une reprise de la "Pavane de La Belle Au Bois Dormant" de Maurice Ravel qui fait la part belle au koto de Kikuchi. 

  C'est donc un merveilleux disque de jazz, qui peut cependant être apprécié par des néophytes grâce à son accessibilité, et qui ravira les amateurs par son côté relativement inédit, même si les mariages entre jazz et musiques japonaises ont déjà donné de beaux résultats, celui-ci a vraiment une âme propre.

A écouter par ici !

Nubya Garcia - Nubya's 5ive (2017)

  La jeune londonienne est déjà une grande du saxophone et du jazz en général. Et ce, bien qu'elle ne se définisse que comme une "artiste influencée par le jazz" (cf l'article de l'excellent webzine Djam), rejetant toute forme d'élitisme ou de rejet des non connaisseurs. Elle est d'ailleurs autant influencée par le jazz modal que par les rythmes éthiopiens ou les beats hip-hop hérités de J Dilla ou des disques nu-soul de Lauryn Hill ou Erykah Badu ("Lost Kingdoms"). La musique caribéenne que ses parents écoutaient l'a également profondément marquée, et notamment les fanfares, influence marquante de "Hold", et des carnavals sur "Fly Free", qui incorpore subtilement cette influence lointaine (écoutez les percussions et le piano) dans un jazz très classe et classique, assez new-yorkais du côté du saxophone.

  La fin d'album est une magnifique leçon de jazz, entre l'ample et intense "Contemplation" et le classieux et syncopé "Red Sun". Avec en bonus une version alternative de "Hold" pleine d'urgence : entre percus caribéennes tapageuses et au saxophone tranchant. 

  Déjà une figure de la riche scène londonienne de jazz, aux côtés de monuments comme Shabaka Hutchings, Garcia est une artiste versatile et ouverte, elle a déjà collaboré avec de nombreux jazzmen, ainsi qu'avec le groupe de post-punk électronique Polar Bear entre autres divagations hors du champ jazz, et prévoit que son prochain album exploitera lourdement les effets électroniques. 

  Bref, après ce chef-d'oeuvre inaugural, Garcia est une artiste cruciale, à suivre absolument. Et en attendant ses exploits futurs, (re)découvrez ce Nubya's 5ive par là !

Line-up :

Nubya Garcia (saxophone), Joe Armon-Jones (Piano), Moses Boyd (batterie), Daniel Casimir (basse), Femi Koloeso (batterie), Sheila Maurice-Grey (trompette) and Theon Cross (Tuba)

Alex

The Lemon Twigs - Brothers Of Destruction EP (2017)

  Je vous le rappelle, on a adoré l'album Do Hollywood des Lemon Twigs, tellement qu'on est allés les voir en concert avec Etienne et que je l'ai classé 5e dans mon Top 2016. 

  Après ce tour de force pas si inaugural que ça (un premier album autoproduit était dispo sur youtube avant cette percée, et de nombreuses vidéos montrent les enfants prodiges faire de la musique à différents âges), les deux frères sortent cet EP afin de "clore l'ère Do Hollywood" du groupe et donner corps à quelques chansons qu'ils traînent depuis 2015 et qui n'étaient pas finies au moment de l'enregistrement du LP ou tout simplement n'allaient pas dessus, bien qu'elles en soient proches stylistiquement. Cet EP aurait d'abord dû sortir avant l'album mais le groupe a préféré finir en priorité le LP. Boucler la boucle avant d'aller de l'avant, c'est à dire si on en croit les D'Addario : un album de power pop et un opéra rock avec Todd Rundgren très bientôt, et un album mêlant musique médiévale et classique plus tard. We'll see !

  En attendant, cet EP réjouissant nous fera patienter avec plaisir. La pochette et le titre très série B annoncent la couleur : le projet est autoproduit par les deux frères, avec donc un son plus direct et plus rock que l'album, ce qui lui va très bien. Comme sur le très garage "So Fine" qui pourrait sortir directement des sixties, même s'il a un petit je ne sais quoi de MGMT et Foxygen. De même, l'"Intro" sonne très cabaret façon Kinks, et est un délice du genre qui finit en divagation délirante proche des Mothers Of Invention. Mais même quand on pense à Rundgren, Sagittarius, Brian Wilson, Queen, Traffic, T. Rex, Alex Chilton et aux Bee Gees des débuts sur un même morceau ("Light & Love"), c'est d'abord la forte personnalité et le style inimitable des D'Addario qu'on entend. Ils maîtrisent suffisamment leur rock pour canaliser et utiliser ces influences pour exprimer leur sensibilité unique et leur voix propre.

The Lemon Twigs - Why Didn't You Say That ? (2017)

  Mais ce qui constitue le coeur du projet, c'est d'abord "Why Didn't You Say That ?" merveille de songwriting pop avec une mise en son baroque, qui aurait pu figurer sur le LP qualitativement mais qui est probablement mieux sur cet EP avec cette production plus aérée et relâchée qui lui sied à merveille. Puis "Beautiful", merveilleuse ballade digne du meilleur de McCartney. Et enfin la power pop psychédélique de "Night Time", hyper bien foutue et accrocheuse au possible.

The Lemon Twigs - Night Time (2017)

  En résumé, ce qui pourrait ressembler à un EP de Faces B est un peu plus que ça. Au moins trois ou quatre chansons sont merveilleuses, et les autres oscillent entre le très bon et l'excellentissime. Les Lemon Twigs se devaient donc de les coucher sur bandes, parce qu'elles passent bien en live d'abord, pour le bonheur de leurs admirateurs ensuite, et pour clore un chapitre de leur jeune discographie enfin. C'est donc une sortie bienvenue, indispensable pour le groupe et délicieuse pour ses auditeurs. Gagnant-gagnant, en attendant la suite qui s'annonce passionnante.

A écouter ici par exemple.

Alex

Diplo & Autoerotique - Waist Time & Iggy Azalea - Mo Bounce (2017)

Diplo & Autoerotique - Waist Time (2017)

  Je n'aime pas Diplo. Au mieux il a produit quelques trucs écoutables, souvent assez nazes. Je n'ai jamais compris la hype autour de Major Lazer non plus. Et je ne connais pas les canadiens d'Autoerotique. Pourtant, leur association sur "Waist Time" fait des étincelles. Dans un genre d'électro violent, basique et bas du front qui rappelle les clips passant après minuit sur M6 dans les années 2000, de tous ces types traumatisés par la face rentre-dedans des Chemical Brothers et du 1er Daft Punk. 

  Ce genre tabasseur et tapageur d'électro, quand c'est bien fait comme ici, ça me parle. Comme le "Mo Bounce" d'Iggy Azalea, qui pourrait quasiment sortir du dernier Mr Oizo. Un coup de génie résumé en quelques notes de synthé saturé, il n'en fait parfois pas beaucoup plus pour moi. 

Iggy Azalea - Mo Bounce (2017)

  Je me doute que je vais en faire sortir quelques-uns hors de leur zone de confort, soit parce que c'est trop électronique et râpeux, soit paradoxalement parce que c'est trop mainstream, mais ça fait souvent du bien d'en sortir. Avec des oreilles ouvertes, et peut-être que, comme les Daft Punk avaient réussi à faire découvrir à l'Amérique blanche la grandeur de leurs scènes house et techno quasi uniquement black, ces lointains suiveurs souvent mal compris vous donneront envie de remonter le fil des musiques électroniques abrasives et dansantes.

Alex