Franz Ferdinand - Always Ascending (2018)

  Lorsqu'un groupe perd un guitariste et co-compositeur, il arrive régulièrement ce qui est arrivé à Franz Ferdinand sur cet album : il ajoute des synthés. D'un autre côté, ceux-ci étaient au premier plan sur Tonight (2009), qui est probablement leur meilleur album, et étaient resté bien présents sur Right Thoughts Right Words Right Action (2013). Si vous ajoutez un peu de théâtralité glam rock davantage appuyée depuis leur collaboration avec les géniaux Sparks sur l'album commun FFS (2015), vous arriverez logiquement à la conclusion qu'Always Ascending sera leur album disco/synthpop, et vous n'aurez pas tout à fait tort. Rien que la pop song new wave post-Buggles (rappelant également l'influence de Blondie sur les FF) "Lois Lane", ou bien le piano disco-house de "Glimpse Of Love" vous donneraient raison. Et vous indiqueraient que le virage est réussi. Mais si vous écoutez attentivement, vous y entendrez bien plus qu'un simple virage électro-pop.

Franz Ferdinand - Always Ascending (Clip, 2017)

  Et c'est également vrai dès la chanson-titre, qui ouvre le bal. Montées de synthé, guitares cocottes funky, tout est réuni pour en faire un hybride entre Donna Summer et LCD Soundsystem, avec ceci dit un côté très anglais (cf également l'album homonyme de 2014 du groupe The Sunshine Underground si vous ne voyez pas ce que je veux dire). Cependant, une certaine noirceur point, notamment via le chant d'Alex Kapranos, volontairement plus fragile et moins assuré qu'à l'accoutumée (c'est vrai tout au long du disque), ce qui ajoute une tension supplémentaire et compense le côté dansant. On pense au dernier Nick Cave, lui aussi reposant sur beaucoup de premières prises imparfaites mais urgentes pour un résultat prenant, dans un contexte plus tragique.

Franz Ferdinand - Lazy Boy (2018)

  Sur "Lazy Boy", cette voix fatiguée, oscillant entre rage et lassitude, fait le sel d'un morceau sombre, entre dub de Tonight et post-punk insistant et noir du premier album. Meilleur morceau de l'album, de loin, c'est une réussite totale qui s'inscrit immédiatement parmi les meilleurs du groupe. "Finally" est un bon morceau là encore un peu marqué par le dub, avec un rythme syncopé et une prod inhabituellement lo-fi pour le groupe (audible sur quasi tout le disque, avec saturation, sifflements et mastering inhabituel), qui redonne avec le chant plus spontané de Kapranos une urgence nouvelle au groupe. Ce retour à la spontanéité s'avère salvateur pour Franz Ferdinand en termes d'énergie, et est une direction plutôt inhabituelle pour un groupe de cette carrure avec une telle carrière. Une preuve de plus de leur intelligence musicale. Encore avec un gros côté sombre et sexuel propre à l'album de 2009, "Feel The Love Go" égale presque "Lazy Boy" dans son excellence, dans une veine plus disco-punk, avec là encore une urgence renouvelée par un synthé abrasif et un chant punk quasi-faux sur le crescendo final. Génial.

Franz Ferdinand - Feel The Love Go (Clip, 2018)

  On retrouve le songwriting pop classique du groupe, désinhibé par l'expérience FFS, sur "Paper Cages", dont les arrangements à base de synthés pétaradants, de piano virevoletant et de guitares appuyées sont sompteux. "The Academy Award" est quasiment un morceau folk avec quelques montées glam, là encore à la prod pas dégrossie et au mixage délicieusement approximatif appuyant magnifiquement l'ironie et l'écriture mordante du titre. L'exploration du glam malicieux se poursuit sur "Huck And Jim", entre saturations, basse post-punk et pop d'opérette. Et "Slow Don't Kill Me Slow" termine l'album sur une note décadente façon Beatles sous drogue, entre choeurs divins, synthés déviants presque psyché et piano triste. 

  Là on on se serait attendus à un album propret de disco-rock synthétique, les Franz Ferdinand se sont en fait appliqués à faire ressortir leur rage adolescente audible dans une production plus lo-fi et un mix plus sauvage que sur n'importe lequel de leurs albums, mettant en valeur le chant urgent et fatigué de Kapranos et les montées musicales épiques du groupe. Un album bien plus sombre, intéressant et vital que ce qu'on pouvait espérer, et une nouvelle raison de confirmer tout le bien que je pense de ces écossais géniaux. Merci les gars de ne jamais décevoir.

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Alex

  

Shopping - The Official Body (2018)

  The Official Body est le 3e album du groupe anglo-écossais Shopping, sorti en janvier 2018 sur le label Fat Cat Records. Et c'est vraiment un putain de bon album. Il faut aimer le post-punk par contre. Les grooves discoïdes à la Talking Heads, la folie des voix des B-52's, la grosse basse de Gang Of Four et les guitares tranchantes de Television. Car vous avez tout ça rien que sur "The Hype". Du punk qui groove et qui bondit, accompagné de quelques synthés et de lignes vocales accrocheuses, c'est également ce qui vous attend sur "Wild Child". 

Shopping - Wild Child (2018)

  Chaque son, chaque note, chaque mot est pile là où il faut, rien ne dépasse, on attend des sommets de concision qui m'évoquent la géniale Sneaks. Tout ici est placé pour être efficace, rien ne dépasse, et pourtant c'est bien une énergie folle qui dirige des titres comme "Asking For A Friend", avec ce mélange de sérieux nihiliste et de second degré fun quasiment hédoniste caractéristique du post-punk. Comme une dernière fête débridée avant la fin du monde. Sur cette dernière chanson, tout comme sur "Suddenly Gone", ce sont les guitares qui portent le morceau. Véloces, acérées, à la fois virtuoses et acides, elles ont ce son mi-obsessionnel mi-débile, allégorie de l'aliénation par excellence, elles rappelleraient presque en ce sens l'utilisation des guitares pour le même effet dans le générique de South Park. Et c'est encore plus vrai sur l'encore plus maniaque "Control Yourself". C'est pareil pour "Shave Your Head", avec un petit côté décadent, californien, en plus, rappelant côté séries l'ambiance de Californication, et côté musique le punk mixte génial des X.

Shopping - The Hype (2018)

  Pour illustrer ce côté décadent, ainsi que l'aspect "hédonisme nihiliste", "Discover" est l'exemple qu'il vous faut : un synthé basse baveux et saturé, des guitares punk-funk tranchantes, un beat imposant et des chants de weirdos magnifiques. Un peu Brazilian Girls (groupe bien trop sous-estimé) dans l'esprit. Vous prenez tout ça, vous l'exagérez avec des échos dub et un synthé acid house, et vous avez "New Values", autre géniale pop song.

  Le ton s'allège, se retrouve plus proche du punk sur "My Dads A Cancer", avec là encore une guitare rapide, mais plus douce qu'à l'habitude, avec ce côté punk des années 80, un peu Stray Cats, un peu Cure des débuts, un peu B-52's. De même, la conclusion, "Overtime", est un poil plus légère même si toujours aussi délicieusement moqueuse, et joue avec les influences afropop de William Onyeabor venant des Talking Heads, avec un synthé malicieux et une basse groovy.

  En bref, c'est vraiment un superbe album, celui qui de loin m'aura le plus marqué en janvier avec le Profligate, et que je réécoute frénétiquement avec un plaisir renouvelé. Je vous en recommande donc plus que chaudement l'écoute !

Ecouter sur Spotify ou sur Deezer

Alex

  

The Jesus & Mary Chain - Damage & Joy (2017)

  The Jesus & Mary Chain, pour moi, c'est d'abord la découverte avec Darklands (merci la médiathèque), et le choc de Psychocandy acheté peu après. Un de ces albums phares, immensément importants. Comme Elvis, les Beatles, Kraftwerk, James Brown, Isaac Hayes ou Joy Division, Les J&MC ont inventé un truc énorme, un style, une nouvelle façon de faire de la Pop music au sens large. Une musique mélodique et addictive comme de la pop, violente et dangereuse comme du rock, noisy comme de l'indus, vaporeuse comme de la dream pop et surtout d'une classe et d'une intransigeante authenticité remarquables. 

  Autant dire que des décennies (et quelques très bons albums) après, il est difficile de faire la part des choses concernant un de leurs albums (et ce n'est pas le seul groupe dans ce cas). On risque de le surestimer par complaisance inconsciente avec nos idoles, ou de le descendre de façon irraisonnée à cause de nos préjugés sur ce que cet album devrait être ou de la comparaison avec les hauteurs inatteignables des chef-d'oeuvres passés. Mais l'avantage des Jesus & Mary Chain, c'est que même si le son a joué un rôle important dans leur réussite artistique et dans leur esthétique, leurs succès se sont surtout leurs chansons. Ce qui a l'avantage de mieux supporter les modes et le temps qui passe, et ce qui est plus facile à juger en faisant abstraction du passif et du présent. 

  Et pour le coup, on est servis dès "Amputation", diablement efficace avec ses ronronnements de guitare et sa mélodie catchy. La production moderne et le chant désinvolte évoquent les héritiers Crocodiles, et les discret ajouts électro-rock psyché et acide de la prod, plus les "houhou" de stade évoquent les cousins de Primal Scream. Impeccable. Concis, percutant, vicieux et mélodieux, c'est parfait. Le folk-rock cotonneux de "War And Peace", qui partage avec la précédente une certaine gouaille british narquoise très rock, est de la même trempe, et la dernière partie à mi chemin entre punk et motorik (très Neu! donc) est très bien vue, ingénieuse, inattendue et redynamise à merveille le morceau. 

  Ces deux excellents morceaux inauguraux passés, l'album redescend d'un cran. Après tout, les frères Reid se font vieux, et cela se ressent lors de morceaux plus convenus, mais néanmoins très agréables et réussis dans leur genre. Ainsi, "All Things Must Pass", "Facing Up To The Facts" et "Get On Home" plus ouvertement rock indé et plus grosses dans la production, fonctionnent bien aussi même si elles manquent de subtilité (c'est pas grave, le bon gros rock leur va bien aussi). Les petits ajouts électro de "Simian Split" ne suffisent pas pour émettre un avis différent. Et on pourrait en dire autant de la britpop un poil psyché de "Song For A Secret" et du mix entre rock de biker à la Easy Rider et rock indé 80s /post-punk de "The Two Of Us", toutes deux avec avec Isobel Campbell au chant. Et toutes deux réellement réussies, sans non plus être exceptionnelles. Comme "Black And Blues", elle non plus pas transcendée par Sky Ferreira, mais réussie, et comme le rock psyché post-Johnny Marr (et très Primal Scream) de "Can't Stop The Rock". Au final, ce côté très british et ce rock un poil trop produit tirant sur le psychédélisme me rappelle le dernier Oasis, Dig Out Your Soul. Ce qui n'est pas une insulte de ma part, je ne suis pas dingue du groupe mais cet album, avec leurs deux premiers, est vraiment plutôt réussi. C'est juste un peu trop prévisible et trop produit, mais ça reste du bon artisanat rock. 

  De même, "Los Feliz (Blues & Greens)" est un poil pompeuse et pour être honnête je l'aime un peu moins, mais c'est personnel (c'est dommage l'intro de la chanson est superbe). Par contre, il y en a une avec laquelle j'ai beaucoup de mal, c'est le rock un peu trop teenager 90s de "Presidici (Et Chapaquiditch)", qui appellerait presque à un parallèle avec les derniers Pixies, qui sont à la fois remplis de pépites mais qui souffrent de remplissage (comme par exemple ce titre) et n'arrivent pas à se débarrasser d'une prod boursouflée et dépassée. 

  Mais les vraies réussites du disque (outre les deux morceaux inauguraux), c'est d'abord "Always Sad", pop song d'une perfection absolue, grâce notamment aux choeurs de Bernadette Denning. Des titres comme ça, j'en redemande avec joie, cette chanson devrait être en boucle sur toutes les radios. Et d'un autre côté, on a l'excellente "Mood Rider", qui arrive à retrouver l'intensité de Psychocandy en y ajoutant une touche presque hard/grunge assez sombre.

  Au final, l'album est très correct. 4 superbes chansons sur 14, seulement 2 pas terribles, et le reste plutôt bon et se révélant sûrement un peu plus à la réécoute. Certes, le disque n'est pas à la hauteur du groupe, mais qui pourrait en espérer autant, c'est ridicule, il y a peu de chances que ça arrive à nouveau. Les frères Reid continuent à faire des chansons comme ils savent si bien le faire, se font plaisir au passage et arrivent à nous livrer quelques pépites. Ce serait malhonnête de demander beaucoup plus après tout ce qu'ils ont déjà donné. Et qui sait ? Peut-être que d'avoir remis le pied à l'étrier sur cet album va les relancer dans un rythme plus régulier. 

A écouter ici

Alex

Calvin Harris - I Created Disco (2007)

  Cette semaine, les disques sortis il y a dix ans déjà, en 2007, sont à l'honneur sur La Pop d'Alexandre & Etienne, avec un album par jour présenté jusqu'à mardi dans le cadre de notre troisième édition de La Semaine De La Pop.

  Je l'ai annoncé sur mon article vantant les qualités des deux derniers singles de Calvin Harris : pour moi, c'est pour le moment l'homme d'un seul album, celui-ci (et de quelques titres sur le suivant de 2009, et si on est vraiment indulgents quelques autres à picorer depuis). Mais quel album !

  Un peu à la manière de James Murphy (dont nous avons chroniqué ici un album hier), Calvin Harris est un geek obsédé de musique (de pas mal de musiques différentes d'ailleurs), démarrant sa carrière dans une époque où l'électro bricolée a déjà bien percé (merci les Daft Punk & Cie). Et pour revenir à LCD Soundsystem, finalement l'écossais s'en rapproche pas mal. Ça s'entend dès l'intro "Merrymaking at My Place", cette basse mi-funky mi-post-punk, au jeu très haché (et probablement programmée), ce beat électro-rock funky, ces synthés pouet pouet.... On n'est pas loin de James Murphy donc, mais en plus funky, plus rnb aussi, plus Pharrell Williams (qui dominait déjà les hits de l'époque) en somme. On pensera encore plus à James Murphy avec le disco-punk de "I Created Disco" ou la synthpop entre new wave et Yellow Magic Orchestra de "Electronic Man".

  D'ailleurs, c'est le côté "fait dans une chambre avec un vieil ordi" et le fun incroyable injecté à cette pop qui fait tout son charme. Harris est alors jeune, plein de gouaille (ce titre d'album !), et on a toute l'énergie, la fraîcheur et la rage d'un mec qui a tout à prouver, avec le second degré et le sens du détail du mec qui vient de commencer et s'applique (cf "Colours"). C'est pour ça que c'est un des disques que je passe le plus en soirée, pour toutes ces raisons. 

  Du fun, on en a sur le plastic funk post-Kraftwerk de "This Is The Industry" qui recrache toute la chaleur de la Philly Soul sur des synthés baveux, et avec second degré. Voire même millième degré quand, au détour de "Neon Rocks" la gouaille british de Harris se transforme presque en gloussement de poule, soutenu par des synthés bien pouet pouet. Plus loin, et puisqu'on en parle, cette soul, ce rnb qu'on a entendu dans ces fameux (et merveilleux) singles récents, on l'entendait déjà (aussi) dans "Love Souvenir". 

  Et puis on a des tubes qui font bouger la tête et les pieds : "The Girls", le kitsch assumé de "Disco Heat", et puis le méga-tube "Acceptable In The Eighties", absolument imparable, qui porte bien son nom et ravira les amoureux de madeleines synthétiques au parfum néo-80s. Dans un genre tout aussi années 80, mais plutôt générique de vieilles séries télé, on a les interludes "Traffic Cops" et "Vault Character" et le moins direct "Certified". Et puis le bling bling hédoniste et dansant de "Vegas"... Tout ça sonne certes référencé, mais fait avec les moyens du bord, une ambition et une envie sans bornes, ce qui permet à Harris d'exploser ses modèles pour se créer un style unique. 

  Bref, c'est un disque qui sous un son plus ou moins volontairement gros, cheap et kitsch cache des chansons pop plus profondes qu'il n'y paraît et surtout beaucoup, beaucoup de fun et d'amour pour la musique populaire sous toutes ses formes. 

A écouter par là

ALEX