The Beatles - Help! (1965)

  La gueule de bois post-Beatlemania aperçue sur Beatles For Sale atteint son pic l'année suivante avec ce Help! d'anthologie. Qui commence avec "Help!", ce hit incroyable, d'une énergie folle qui rappelle l'album A Hard Day's Night, mais avec plus de subtilité dans la musique et surtout un fond déchirant : le mal-être de Lennon transparaît partout. Paroles, chant, instrumentation frénétique. C'est un appel à l'aide. Lessivé, ayant pris du poids, défoncé à l'herbe 24h/24, John traverse sa période Fat Elvis. Et nous balance toutes ses névroses en guise de catharsis. Et c'est très, très puissant, comme un uppercut en pleine face. Impossible de ne pas être bouleversé par ce morceau titre.

  McCartney va apparemment mieux car il nous offre un tube pop lui aussi pas mal réminiscent de A Hard Day's Night, "The Night Before", pop song à consommer sur place, délicieusement accrocheuse et énergique comme aux débuts à défaut d'être incroyablement inspirée. Le groupe aurait-il délaissé l'orientation folk et effectué le premier pas en arrière de sa carrière ? Lennon dément tout de suite avec un "You've Got To Hide Your Love Away" plus Dylan que Dylan. Et une nette amélioration dans les paroles avec ce texte acide. Merveille de folk/rock acoustique, ce morceau est un vrai chef-d'oeuvre à ranger avec les premiers Dylan et Byrds. Et y'a pas à dire quand on intègre du folk dans du rock ou de la pop, ça sonne très proto-psychédélique, entre la guitare de Harrison, le tambourin, les maracas et les flûtes, on s'approche doucement mais sûrement du Summer Of Love. 

  Harrison émerveille avec son "I Need You" qui sonne comme une chanson typique du début des Beatles (le chant), mais avec une musicalité inédite : les choeurs doo-wop, le son de la guitare électrique, le tranchant de la guitare folk, les petits détails rythmiques, l'écho sur la voix doublée, tout cela est d'une finesse incroyable. Une magnifique chanson Mersey Beat amélioré en quelque sorte. Ce retour au sources amélioré s'entend aussi sur "Another Girl", portée par un Macca d'humeur à la fusion entre le blues-rock et la pop de leurs débuts. Là encore, la profondeur des arrangements et l'interprétation impeccable nous font plonger dans le morceau (et ces choeurs !), pour ne pas en décrocher jusqu'à la fin. Excellent morceau.

  "You're Going To Lose That Girl" est également conçue sur la même base que les tubes passés, à la "It Won't Be Long", mais avec l'expérience et le savoir faire accumulés par le groupe, ce doo-wop se gorge de milliers de petites choses (solo de guitare rockabilly, bongos, et toujours ces choeurs...) qui la rendent unique et indispensable. Et là encore, l'interprétation de Lennon est parfaite. Donc si on résume pour le moment cette face A, les Beatles semblent faire l'inventaire de leur début de carrière déjà impressionnant pour en extraire le meilleur et l’accommoder avec leur talent grandissant d'interprètes, leurs arrangements plus sophistiqués et leurs nouveaux goûts musicaux (la folk...). Mais ce n'est pas si simple, Help! n'est en effet pas qu'un bilan amélioré des débuts des Beatles, car en réalisant cette synthèse ils posent aussi les premières pierres de la suite avec la dernière chanson de cette face A : "Ticket To Ride".

  Avec son intro là encore très proto-psychédélique à la guitare byrdsienne, son tambourin et ces lignes vocales mythique, le morceau porté par John explose les limites de ce qu'on attend d'une chanson pop. Le changement de rythme en milieu de morceau, les arpèges dans tous les sens, les micro-soli de guitare, les breaks de batterie.... Tout cela contribue à dessiner une toile sonore d'une infinie richesse, et à la fois d'une pureté et d'une légèreté inégalable. Un sommet. "Ticket To Ride" annonce déjà les Rubber Soul et Revolver à venir, le psyché, et la musique de la décennie suivante. Et pose les bases d'une pop exigeante et novatrice.

  Pour se remettre du choc esthétique, Ringo nous sort sa reprise du morceau country/rockabilly, "Act Naturally", sympathique moment sur lequel il n'y a pas grand chose à dire (sans aucune condescendance). "It's Only Love", le morceau suivant, chanté par John principalement, joue avec des sons de guitare très Shadows / Joe Meek, et une guitare acoustique beatnik, pour un résultat assez réussi, même si moins marquant que le reste du disque (un peu comme "The Night Before" donc). Harrison innove avec un morceau porté par le piano "You Like Me Too Much", qui commence en mode piano bar, décolle avec ce chant sous écho, avant de prendre son envol avec les choeurs divins du groupe. Très belle (et courte) chanson qui explore elle aussi, comme la précédente, une certaine fascination pour les US. 

  "Tell Me What You See" est elle plus folk, et a droit elle aussi à ses petites fantaisies rythmiques (le guiro de McCartney, les claves et le tambourin de Ringo) et mélodiques (les soli de piano électrique joués par Macca). "I've Just See A Face" est elle carrément très country, une excellente chanson chantée en majorité par Macca, jouée pied au plancher avec de superbes parties de guitare. Et là encore, c'est très court mais bon. Bon, depuis "Ticket To Ride", il y a quand même une baisse de régime dans l'album, avec des parties moins intéressantes et d'autres très bonnes mais trop courtes ou manquant du je-ne-sais quoi qui fait les classiques. 

  Mais McCartney sort de sa manche un joker : "Yesterday", qui avec sa guitare et son chant tire-larmes, et ses cordes baroques (merci George Martin), est un tube évident. Et renouvelle le genre de la ballade de belle façon en dépoussiérant les grandes chansons d'amour façon Sinatra façon pop. Un classique qui mérite son titre,et augure des futures grandes ballades du groupe, de "Girl" à "Something" en passant par "Eleanor Rigby" et "She's Leaving Home". 

  Le groupe finit sur la traditionnelle reprise rock, ici "Dizzy Miss Lizzy" par Lennon, très bonne mais qui casse un peu l'ambiance instaurée par la chanson précédente, sur laquelle le disque aurait tout à fait pu se terminer.

  Bref, Help! est comme son prédécesseur, un disque de transition entre la première période du groupe dont l'apogée reste A Hard Day's Night, et la suite plus expérimentale dont on observe les prémices. Il y a des tubes, et de bonnes chansons, mais encore un peu de remplissage et de reprises pas franchement indispensables, ce qui nuit à l'homogénéité du disque. C'est néanmoins une étape cruciale du groupe, qui va bientôt redéfinir la musique populaire. Mais ça, c'est pour la prochaine fois ! 

A suivre, donc....

Pour réécouter Help!, en attendant, c'est par ici.

Merci pour votre lecture et vos commentaires 

Alex

The Beatles - Beatles For Sale (1964)

  Comme nous l'avons vu, l'album précédent des Beatles, A Hard Day's Night, sorti la même année, représentait pour le groupe à la fois leur premier chef-d'oeuvre inattaquable de bout en bout, et le point culminant de la Beatlemania. Mais après la fête vient la cuite du lendemain. Ce sont des Beatles exténués et au bout du rouleau physiquement et mentalement qui enregistrent ce 4e album, Beatles For Sale. Moins percutant, reposant sur beaucoup de reprises, moins homogène en termes de qualité, cet album est souvent un des moins aimés de la discographie des 4 de Liverpool. Pourtant, à mon humble avis, c'est sûrement le plus sous-estimé de leurs albums, et il est à des années lumières de mériter une si mauvaise réputation. Nous allons donc voir en quoi ce disque est une perle et en aucun cas un raté.

  Déjà, la doublette qui entame l'album est immaculée. "No Reply" fait partie des classiques du groupe, c'est une grande chanson pleine d'émotion et de rage, très classe dans ses arrangements acoustiques, avec là encore un piano qui soutient énormément l'ensemble. D'ailleurs, en écoutant tous ces petits arrangements tellement précis, quasi chirurgicaux, on comprend mieux l'obsession de nombre de groupes de pop indé avec les petits détails d'arrangement qui participent à la force de ces chansons intemporelles. 

  La deuxième partie de cette superbe doublette est la très Dylanienne "I'm A Loser", qui après la 1ere nous montre qu'émotivement ce grand écorché vif de Lennon (secondé par McCartney) n'était pas en grande forme sur le moment. Mention spéciale au magnifique solo de guitare sur le pont du morceau et repris à la fin (sans doute Harrison, j'ai pas revérifié). McCartney & Lennon poursuivent en duo avec "Baby's In Black", troisième composition du duo et très bonne chanson pop, pas aussi incroyable que les deux premières, mais que j'ai toujours beaucoup aimé (le thème du texte est assez original).

  Puis on a une reprise efficace et toute en énergie du "Rock And Roll Music" de Chuck Berry par John, grand admirateur de rockabilly devant l'éternel. Un classique de leur set live réutilisé ici faute de temps pour composer plus d'originaux pour cet album, entre les tournées, le film et l'album précédents. Mais une bonne reprise ceci dit. Un autre classique à mi-chemin entre Northern Soul, presque gospel dans la pureté, et folk/pop, avec le magnifique "I'll Follow The Sun" de McCartney, une magnifique magnifique magnifique chanson, une de mes préférées de Macca. C'est d'une simplicité, d'une beauté et d'une pureté telles que l'évidence est là : c'est un classique. Un classique méconnu, comme la plupart des chansons de cet album. Une perle, vous disais-je !

  Ensuite, Lennon reprend "Mr Moonlight", là encore la reprise vaut le coup pour son chant écorché et son ambiance rock plus raw et sombre qu'à l'accoutumée (les percussions, l'orgue). Macca donne dans le medley avec "Kansas City / Hey-Hey-Hey-Hey" prouvant que lui aussi admirait le rockab' et pouvait tout déchirer dans le genre. Et aussi qu'il avait bon goût car reprendre (et donc reconnaître le talent de) Little Richard est toujours preuve d'un esprit clairvoyant, ce type est au moins aussi important qu'Elvis, Jerry Lee ou Chuck, mais injustement mésestimé. Comme cet album des Beatles, mais vous commencez à voir où je veux en venir avec ça...

  Le single "Eight Days A Week" chanté et écrit par John signe le retour des compositions des Beatles. C'est un single imparable, qui fait hailement la synthèse entre les hits pop évidents des débuts et la période folk/pop voire psyché qui se dessine, un morceau charnière (écoutez cette intro). Et cette soul dans la voix de John, ce feeling, cette fêlure aussi... On sent aussi dans cet album, encore plus que dans le précédent, la maturité artistique des Beatles monter. Ils se permettent d'être plus expressifs en en faisant moins, apprennent l'art du dosage, de la retenue et gagnent en subtilité et en profondeur et de morceau en morceau. Le morceau suivant, une reprise de "Words Of Love" de Buddy Holly (un autre grand sous-estimé), se situe entre country-folk et carrément proto-psychédélisme et illustre à merveille ce que je viens de dire, là grâce à Dylan les Beatles participent en direct à inventer le folk rock et le psychédélisme avec ces guitares acides, ces choeurs et ces percus. 

  Après les deux leaders, Ringo donne à son tour dans le rockabilly tendance country/folk (signé Carl Perkins, encore un génie oublié du grand public) avec un "Honey Don't" pour lequel j'ai toujours eu beaucoup d'affection. Et un bon petit solo de guitare concis.

  Retour aux compositions avec "Every Little Thing", chantée en duo, qui là aussi préfigure bien l'aspect folk/rock. Une vraie petite merveille de chanson, avec là encore des arrangements divins. Dans la même veine, "I Don't Want To Spoil The Party" est absolument géniale, une merveille à la Byrds. Ce folk-rock réussit définitivement beaucoup à nos 4 Beatles, qui arrivent à exprimer davantage d'émotions de façon plus prenante et subtile qu'auparavant, et gagnent en finesse musicale à vitesse grand V. C'est confirmé avec le "What You're Doing" qui a du bien inspirer Big Star et en particulier Chris Bell. Une merveille de pop folkisée, avec ce motif de guitare incroyable carrément proto-psychédélique. Un autre classique du groupe, méconnu.

  On finit avec la chanson rockab de George Harrison, il avait bien le droit à la sienne aussi. Ce sera "Everybody's Trying To Be My Baby", encore de Carl Perkins.

  Si on enlève les morceaux et les reprises un peu moins bonnes et qu'on ne garde que les classiques intemporels, on a 8 morceaux. 8 chef-d’œuvres intemporels. Ca ne fait pas un grand album selon vous ça ? D'autant plus que ces morceaux confirment la voie esquissée sur certaines chansons de A Hard Day's Night, la direction vers le psychédélisme en passant par le folk. Ca ils ne le savent pas encore, mais en s'ouvrant davantage à d'autres musiques, ils viennent non seulement de trouver un moyen d'expression plus vaste mais aussi de poser la première pierre vers leurs futures révolutions musicales. Avec le précédent, ils ont mis le monde et la concurrence à leurs pieds, maintenant ils commencent à prendre le large et distancer tout le monde. Et cet album est une étape importante dans la maturation de ce groupe qui sera amené à devenir le plus grand et le meilleur groupe de pop et de rock de tous les temps. C'est donc un grand album, et en tous cas ce n'est pas un album à ignorer à la légère.

Merci pour votre lecture, et pour vos commentaires 

Alexandre

The Beatles - A Hard Day's Night (1964)

  Vous vous souvenez qu'à propos des deux premiers albums des Beatles, je disais qu'ils étaient bien au-dessus de la norme des albums pop, tant par leur qualité homogène que par leur personnalité forte (majorité de compositions, débuts d'expérimentations avec les arrangements) ? Et bien avec ce troisième, tout cela aboutit à un premier chef-d'oeuvre, tout simplement.

  Avec cet album, on est en plein coeur de la Beatlemania. Les States ont succombé après le deuxième album, le film qui illustre ce disque, aussi nommé A Hard Day's Night, fait un carton, les filles crient encore plus fort et plus longtemps à chaque apparition publique supplémentaire des Fab Four. 

  Concernant les morceaux, c'est John qui démarre fort les hostilités avec la chanson titre irrésistible et d'une énergie folle, le genre de power pop avant l'heure dans laquelle excellait Lennon à l'époque. Puis avec une réminiscence des premiers albums, "I Should Have Known Better", et son harmonica. Cependant, si elle rappelle les premiers albums, elle ne fait que renforcer l'idée que le groupe a fait un pas de géant avec cet opus... Cette guitare cristalline, le chant de Lennon, la synergie du groupe... Tout cela a gagné en intensité et en efficacité, le groupe a pris du coffre et ça s'entend. On continue avec la magnifique ballade "If I Fell", partagée avec McCartney pour des choeurs magnifiques. Là encore, que ce soit dans les voix, la structure du morceau ou la composition, cette ballade est au-dessus de celles des albums précédents, sans problèmes. Et elles étaient déjà magnifiques au possible, celles des albums précédents. 

  Un autre titre irrésistible, "I'm Happy Just To Dance With You", emportée avec classe par un Harrison en grande forme, avec des particularités très sympa : la reverb sur le chant, et surtout cette guitare obsédante... Mi-funky avant l'heure, mi-tranchante, elle anticipe les Smiths, le post-punk et Franz Ferdinand, qui ont dû prendre des notes à l'écoute de ce morceau, pour sur. Macca nous ressort la ballade "And I Love Her", avec des effluves moins anglaises et plus continentales. On imaginerait bien un clip à Venise, Paris ou Barcelone. Très bon.

  Ensuite, viennent deux autres morceaux de power pop incroyables pour clore cette extraordinaire face A, le "Tell Me Why" de Lennon, toute en énergie là encore (le glam et le punk s'en souviendront), et soutenue par un piano qui fait un job remarquable pour soutenir le morceau, et une guitare presque crade assez jouissive. Puis c'est au tour de Macca avec "Can't Buy Me Love", là encore un single imparable.

  Et la face B reprend avec "Any Time At All" et son énergie très Who avant l'heure (on entend presque Daltrey dans le chant de Lennon dans le refrain, un an avant la sortie du premier album des Who). Si la guitare cristalline du refrain eût été un peu plus grasse, on aurait sûrement eu le hard rock quelques années plus tôt... Là encore, John hurle à merveille, la synergie acoustique/électrique et section rythmique / mélodies fait mouche, et les idées d'arrangements géniales sont bien là, comme ce fantastique piano.

  John ressort le coup de la chanson américaine avec le "I'll Cry Instead", bonne chanson uptempo entre pop, country-folk et R&B. Pas la plus inoubliable de l'album, mais elle reste de bonne facture et est tellement courte (1'46") qu'elle n'a pas le temps de diminuer la qualité globale du disque. D'ailleurs à ce sujet, les chansons ici sont racées, compactes, courtes, designées. On reste en effet sur des morceaux d'1'45" à 2'35" grand max. C'est de la pop pure, de la pop en barre. 

  Macca revient pour son dernier tour de piste avec "Things We Said Today", là encore formidable morceau acoustique et électrique, et là encore saluons les guitares acoustiques et le piano, ainsi que la section rythmique implacable. Puis Lennon nous offre un "When I Get Home", là encore très sauvage, entre Rythm&Blues et proto-garage. On comprendra pourquoi les américains, en entendant les Beatles, feront du garage, tout est là : riff, grosses guitares, beat de batterie très lourd, chant crié. Ce morceau est excellent. Tout aussi énervé dans le chant, moins dans la musique (sauf avec l'irruption des merveilleuses guitares saturées en fin de morceau), vient ensuite le "You Can't Do That" de Lennon. Puis la ballade finale lennonienne, "I'll Be Back", fonctionne comme le "And I Love Her" de Macca, une belle ballade continentale au refrain tire-larme et aux guitares acoustiques magnifiques. 

  Pour résumer, on a un album uniquement composé de morceaux originaux,  tous meilleurs les uns que les autres, presque sans aucune faiblesse, avec une interprétation magnifique. Porté par Lennon, cet album est compact, efficace, énergique et sauvage. Il préfigure grâce au chant écorché de Lennon, aux guitares saturées et à la frappe massive de Ringo les sauvages des sixties (les Who, les Troggs, le garage rock). Mais aussi grâce aux guitares acoustiques et aux guitares électriques 6 et 12 cordes cristallines de Harrison, les merveilles futures des Byrds et du folk-rock. Les arrangements sont plus fouillés, les chansons ont une ossature plus solide, souvent renforcée par les pianos de George Martin ou McCartney. Bref, le premier grand chef-d'oeuvre absolu des Beatles, un condensé de tout ce que la pop du début des sixties peut offrir de plus généreux, énergique, créatif et beau. 

Foncez découvrir ou réviser ce classique :

Lien Spotify

Merci pour votre lecture, n'hésitez pas à donner votre avis en commentaires

Alexandre

The Arctic Monkeys - Reckless Serenade (Chanson, 2011)

  Puisque j'ai des réfractaires à Alex Turner chez nos lecteurs et amis blogueurs, ainsi que dans nos propres rangs (oui je te parle Etienne), je me dois de dégainer ma chanson préférée des Arctic Monkeys, cette "Reckless Serenade" magnifique. Cela s'adresse aussi à tous ceux qui ne connaissent pas ou peu les Monkeys, voudraient les découvrir ou ne les apprécient pas totalement, bien sûr.

  Et si vous commencez à être cueillis après cette première perle, écoutez donc sa petite soeur. Après la sérénade, la valse de "Piledriver Waltz", faite du même bois et issue du même magnifique album de 2011 Suck It And See (leur meilleur pour le moment). Enjoy :

Alors, conquis ?

Alexandre

The Last Shadow Puppets - Everything You've Come To Expect (Single, 2016)

  D'après ce que j'ai lu, beaucoup de critiques sont passés à côté du deuxième Last Shadow Puppets. Ils ont tort. Enfin, ce n'est pas de leur faute, ils n'ont que peu de temps avant d'émettre un avis, et sûrement trop peu d'écoutes à leur actif. Car ce disque est à l'image de ce morceau : pas une fille facile, qui révèle ses charmes instantanément, mais une élégante, pas tape-à-l'oeil, qui nous donne envie de les découvrir au fur et à mesure des années et du temps passé avec elle. 

  Ce morceau, entre Beach Boys, voix filtrées à la 10cc, production spectorienne, pop indé moderne (Christopher Owens, Tobias Jesso Jr, Jacco Gardner...), un soupçon de psychédélisme, des cordes très cinématographiques (merci Owen Pallett), qui rendent aussi très variété sixties classe (éternel Scott Walker).

  Mais pas écrasé sous ces références, le duo nous offre une chanson très personnelle grâce notamment au style d'écriture très personnel et à la voix de Turner, et plus particulièrement à son articulation très travaillée et personnelle. Ecoutez l'album, vous en aurez pour votre temps d'écoute, c'est moi qui vous le dis. Et tant pis pour les critiques pressés.

Bonne écoute !

Alexandre

He's A Blackstar Now. David Bowie 1947 - 2016

Petite interruption dans les tops de fin d'année pour revenir sur la mort du grand David Bowie

 

  La tristesse est immense... Mais là encore, après un long combat contre la maladie, c'est sûrement mieux pour lui.

  Cet homme qui a tant fait pour la musique, mais pas que, dont l'œuvre a marqué au fer rouge beaucoup d'entre nous... Qui a rendu ce monde un peu meilleur, en tous cas plus excitant, plus vivant, plus artistique.

  Deux consolations : son héritage est gravé dans le marbre le plus solide, il ne sera pas oublié de si tôt. Et il a pu avoir le testament qu'il souhaitait, ce Blackstar comme un ultime cadeau.

 

  Je suis dévasté, après Lou, David... Et les autres... Moi qui ait passé des soirées d'ado à chanter par dessus Station To Station, volume à fond, à recréer les ambiances de Low au synthé, à sauter partout sur Young Americans, ou Let's Dance,  à marcher fièrement dans la rue, Ziggy au casque. A chialer devant la beauté d'un Hunky Dory passé durant un trajet en voiture, à m'extasier devant la puissance d'un Earthling ou d'un Scary Monsters.... Et son travail pour les autres, Iggy, les Stooges.... Formateur, capital. Il était un, si ce n'est LE, phare de la pop la plus raffinée, la plus exploratrice, la plus viscérale aussi. Il va nous manquer.... Ce Blackstar, chef-d'oeuvre inespéré, nous réchauffera le cœur, nous qui sommes un peu tous orphelins.

 

  Je pense aux plus jeunes maintenant, tous ceux qui ne connaissent pas le monsieur. Les filles, les gars, foncez, écoutez dans l'ordre que vous voulez ces albums. Vous trouverez des merveilles que vous n'imaginiez même pas possibles, de quoi traverser les périodes de la vie les plus incertaines avec panache. Et vous inspirer. Croyez moi,  j'y suis passé. J'ai 21 ans, et depuis que j'ai découvert Bowie à 14, ma vie est bien plus cool.

 

Tout cela étant dit, il nous reste la musique :

 

 

Adieu, David.

 

Alex

 

 

La Playlist #4 - Top 50 Nineties

 

  Suite à ce post (que vous vous devez d'aller voir) de mon ami El Norton du blog Last Stop?This Blog!, j'ai décidé de donner ma version de sa playlist de 50 de mes morceaux préférés des années 90. Mêmes règles que lui, une seule chanson par artiste ou groupe.

  Bien entendu cette liste résulte de mes goûts purement subjectifs et elle n'est pas complète. J'ai sans doute oublié beaucoup d'artistes que j'adore et beaucoup qui sont géniaux mais que je n'ai pas le plaisir de connaître. Et sans doute aussi certains autres géniaux que je n'ai pas la chance d'arriver à apprécier.

  J'espère juste que vous découvrirez certaines choses en piochant dans les noms qui vous sont inconnus, ou que vous pourrez trouver de l'intérêt dans mes choix de chansons, on en discute en commentaires si vous voulez.

Bonne écoute ;)

Pixies - Ana

Sonic Youth - Dirty Boots

Lou Reed & John Cale - Hello It's Me

Happy Mondays - Kinky Afro

The La's - There She Goes

Jeff Lynne - Every Little Thing

The Flaming Lips - Race For The Prize

My Bloody Valentine - Only Shallow

Primal Scream - Movin On Up

Ice Cube -It Was A Good Day

Air - Kelly Watch The Stars

Alain Bashung - La Nuit Je Mens

Dr Dre - The Watcher

Snoop Doggy Dogg - Gin & Juice

Pavement - Shady Lane

Mobb Deep - Can't Fuck Wit

XTC - The Ballad Of Peter Pumpkinhead

Neil Young - From Hank To Hendrix

Suede - So Young

Blur - For Tomorrow

Guru - No Time To Play

Nine Inch Nails - Mr Self Destruct

Nas - Life's A Bitch

Frank Black - Whatever Happened To Pong

The Magnetic Fields - Born On A Train

Supergrass - I'd Like To Know

Michael Jackson - Stranger In Moscow

D'Angelo - Brown Sugar

Nick Cave & The Bad Seeds - Stagger Lee

Christophe - L'interview

Katerine - Parlez Vous Anglais Monsieur Katerine ?

Aphex Twin - Logan Rock Witch

Dj Shadow - Building Steam With A Grain Of Salt

Radiohead - Paranoid Android

Daft Punk - Burnin

Bob Dylan - Love Sick

Of Montréal - This Feeling

David Bowie - Little Wonder

Elliott Smith - Waltz#2

The Chemical Brothers - Block Rockin Beats

Mercury Rev - Holes

Neutral Milk Hotel - The King Of Carrott Flowers Pt 2-3

Lauryn Hill / Mary J Blige - I Used To Love Him

Cassius - Feeling For You

Autechre - Rpeg

The Roots - Adrenaline

Outkast - ATLiens

Portishead -Glory Box

Sparklehorse - Homecoming Queen
2Pac - All Eyez On Me

Bonus :

M - A Celle Qui Dure

Madness - Lovestruck

The Notorious BIG - Juicy

Mr Oizo - Patrick 122

Alain Souchon - La Vie Ne Vaut Rien

Oasis - Supersonic

Nirvana - Heart Shaped Box

Jeff Buckley - Mojo Pin

Laurent Voulzy - Caché Derrière

The Posies - Definite Door 

Pulp - Common People

U2 -The Wanderer
Bonnie Prince Billy - I See A Darkness

Merci pour votre lecture et vos commentaires, et à bientôt !

Alex

David Bowie - A Better Future (Remix by Air)

Pochette de Heathen (David Bowie, 2002)

 

  Après vous avoir parlé d'une incursion réussie de Bowie dans l'électronique, permettez-moi de vous présenter une incursion de l'électronique dans Bowie.

  Blague à part, je vais vous parler du remix par Air de la chanson de David Bowie "A Better Future" sortie en 2002 sur l'album Heathen.

 

  Bon, je ne vais pas vous faire l'affront de vous présenter Bowie, génie absolu de la musique pop. Par contre, pour ceux qui sont passés à côté de Air, il vous faudra peut-être revenir sur vos écoutes. Car il s'agit bien d'un des groupes majeurs de ces 25 dernières années. Leur musique, entre Gainsbourg, ambient, électronique façon Kraftwerk ou de Roubaix et les orchestrations qui n'ont pas à rougir pas devant une BO de Morricone, est d'une richesse et d'une finesse inouïe.



Le groupe Air

 

  Air, alors au sommet après la sortie de chefs-d'œuvre comme Moon Safari, Virgin Suicides et 10 000 Hz Legend, ont participé aux bonus de l'album Heathen de Bowie en le gratifiant d'un remix de leur cru. Autant le dire tout de suite, la version de Air est le meilleur bonus de ce disque (et sûrement un des meilleurs remixes que je connaisse) et, malgré toute mon admiration pour Bowie, explose largement l'originale. Cette dernière est une agréable chanson pop rythmée et parsemée d'électronique.

 

  Le remix, quand à lui, est intense. Sur un fond musical électronique, froid et clinique (inquiétant aussi) la voix de Bowie se fait plus grave, rehaussée par moments d'un vocodeur distillant là aussi très bien une atmosphère inquiétante. Les chœurs et la voix sont merveilleusement mis en valeur, l'ambiance est paranoïaque, on croirait la BO d'un film de SF en pleine dystopie. Alors que Bowie implore, se désespère, se lamente, la musique s'intensifie.

 

  Des moments d'accalmie surviennent quand une orchestration plus organique fait son apparition et permettent de dynamiser ce remix et de le propulser vers les sommets, jusqu'à un solo de guitare final au son typique de Air qui va achever ce remix en beauté.

 

Magnifique.

 

 

Merci pour votre lecture et vos commentaires et à bientôt !

 

Alex

 

Paul McCartney - McCartney II (1980)

Paul McCartney - McCartney II (1980)

 

 

 

  Cet album de McCartney, sorti en 1980, a beaucoup fait parler de lui, et continue d'ailleurs de le faire. Et ce pour plusieurs raisons. Tout d'abord, sa conception. Comme sur McCartney 1er du nom, sorti 10 ans auparavant, en 1970, Paulo joue de tous les instruments, chez lui, avec quelques interventions de sa chère Linda aux chœurs.

 

  C'est même écrit derrière mon livret :

"This album was recorded at home. The microphones were plugged direclty into the back of a Studer 16 track tape machine, bypassing the record console"

Cette approche très home studio dans l'esprit marque un autre point très important concernant cet album : son aspect visionnaire. Mais j'y reviendrais.

 

  Ensuite, c'est avec cet album que Macca s'émancipe des Wings pour devenir McCartney l'artiste studio. Les Wings ayant toujours plus ou moins été "sa chose", ce changement peut donc paraître mineur, mais il ne l'est pas. En effet, c'est ce qui permettra à McCartney plus de libertés, ce qui l'amènera à expérimenter davantage. C'était déjà le cas sur l'album de 70, c'est très visible ici, et cela aura des répercussions importantes sur sa carrière future (on pense à Press To Play, et surtout à son projet électro(-rock) The Fireman, avec Youth).

 

  Enfin, l'album est un succès commercial et critique important. La légende veut que "Coming Up", le tube de l'album alors en heavy rotation sur toutes les radios, ait redonné l'envie à John Lennon de rentrer en studio pour enregistrer son ultime album (non-posthume), Double Fantasy.

 

 

 

Le clip de Coming Up

 

 

  Cependant, malgré tout ce que je viens de dire, cet album a une réputation assez ambivalente. En effet, d'un côté vous avez les amateurs de rock pur et dur, qui souvent ne daignent même pas écouter Macca en solo et se contentent d'en parler avec condescendance (les pauvres). Parmi cette catégorie, pour ceux qui ont écouté l'album, ce qui ressort le plus souvent est que McCartney s'est fait plaisir en studio, mais que l'album est dispensable. Qu'il a sorti là un disque avec quelques titres sympas, mais dans l'ensemble assez mineur. Moi qui ait d'emblée énormément apprécié ce disque, et qui lui trouvait tout un tas de qualités artistiques assez évidentes, j'ai cru pendant un moment être parmi les rares personnes à aimer ce disque comme un des meilleurs de son auteur, et comme un disque pop majeur.

 

 

 

 

 

  Et là, à la lecture du magazine Tsugi, je lis, plusieurs mois de suite, des pointures de la musique électronique, du plus vendeur (Justice), au plus pointu, et des journalistes musicaux d'habitude très exigeants, tresser des lauriers à cet album considéré comme une étape majeure dans l'histoire de la pop électronique, voire de la pop (ou de l'électro) tout court. Surpris mais heureux de lire ça, je saute depuis sur chaque occasion de faire partager mon amour pour ce disque à tout le monde (Etienne peut en témoigner, je l'ai soulé avec il y a peu).

 

 

 

  Mais pourquoi tant d'amour et de respect pour ce disque de la part de tous ces types ? Me direz-vous.

  Eh bien c'est simple.

Cet album contient un imparable tube de funk-rock blanc s'acoquinant avec de l'électro pop (Coming Up), des ballades pop magnifiques dont seul Macca a le secret (Waterfalls, Summer's Day Long, One of These Days)

 

  Mais aussi des morceaux irrésistibles car un peu fous (Le rockabilly/soul/dub de On the Way, le rockabilly / funk-rock / country de Nobody Knows, et le seul morceau plus dispensable mais sympathique Bogey Music, sorte d'électro boogie à vocation plus humoristique).

 

  Et surtout les morceaux de bravoure électroniques que sont la confiserie Front Parlour (dans un genre d'électropop qui plaira au amateurs d'Eno), l'obsédant et presque inquiétant groove de Darkroom, et surtout les incroyables Temporary Secretary au son acide et unique, qui préfigure tout un pan acide de l'électro(pop) de 1980 à la fin des temps (Mr Oizo...), et Frozen Jap, qui anticipe le Kraftwerk de Computerworld avec 1 an d'avance, rien que ça. Et par là, tout un pan de la musique pop sortie depuis, du mainstream au plus indépendant. Rien que pour ces deux titres (mais c'est vrai de pas mal de chanson ici, notamment les magnifiques ballades), cet album mérite votre respect éternel.

 

  Pour conclure là-dessus, cet album-jalon est donc un classique à réhabiliter parmi les meilleurs disques de McCartney, tout en haut à côté de Ram pour ma part, et surtout parmi les disques pop les plus importants qui soient sortis.

 

  Bref, je vous en recommande vivement l'écoute (ICI par exemple), et je vous encourage vivement à partager votre ressenti sur cet album en commentaires.

 

 

 

 

 

 

 

 

ALEXANDRE

 

 

 

GRAND JEU / PART 1

"Oh honey, why don't you come back ?" 

Le disque du retour, pour le meilleur ou pour le pire, à vous de choisir...

Le choix d'Alexandre :

Babyshambles - Sequel to the Prequel (2013)

 

  Come-back ou pas come-back ? Comme pour souligner la difficulté à distinguer un vrai retour d'un gros délai entre deux albums, accompagné par des pépins à l'intérieur du groupe, je vais vous parler du dernier Babyshambles, sorti l'an dernier.

  Il est placé dans cette catégorie car :

1) Le dernier date de 2007, et quoi qu'on en dise, 6 ans c'est long pour un groupe de rock.

2) Il y a eu des changements de personnel durant cette période, des départs du groupe (départ du batteur Adam Ficek...).

3) On a un moment cru que Doherty allait définitivement abandonner ce groupe au profit de la reformation jugée imminente des Libertines. Qui n'a eu lieu finalement que le temps de quelques concerts.

4) Et enfin, je fais ce que je veux, c'est chez moi ici. Si je l'ai tant attendu toutes ces années, je peux parler de retour.

  Bon, le plus important maintenant, la musique. Qualitativement, on ne craint pas grand chose musicalement, que ce soit avec les Libertines, les Babyshambles ou en solo, Doherty n'a jamais sorti un seul mauvais disque. J'oserais même dire que tous ces disques sont des indispensables du rock anglais. Je défie en duel le 1er qui me dit le contraire pour le second Libertines (oui, il y en a des comme ça).

  Ce disque sent bon l'artisanat et paradoxalement, le professionnalisme aussi. Je m'explique. D'un côté, on a ce son chaud, intimiste, avec énormément d'instruments acoustiques, et quelques électrifications, pour un tout qui sonne old school, groupe qui jamme en studios, bref, l'antithèse du son numérique et compressé. D'un autre côté, le groupe est bien plus carré et moins brouillon que par le passé, et le rendu semble donc plus pro. Mais là où l'on se rend compte que ces types sont doués, c'est que le côté brouillon qui faisait les charmes du "Down In Albion" des Babyshambles notamment, bien que moins présent, ne manque absolument pas. La magie du groupe est intacte.

  Pour parler plus précisément des morceaux, on a un album cohérent, sans aucune fausse note (cherchez un mauvais morceau, ou même un morceau dispensable ici, vous ne trouverez pas). Même le disque bonus est excellent, avec une très jolie reprise du After Hours du Velvet. 

  Parenthèse : peut être qu'elle est moins facile à trouver que quand je l'ai achetée au moment de la sortie, mais si vous pouvez trouver l'édition deluxe (ou special edition) avec le cd en plus, ne vous privez pas surtout.  

  Le disque, stylistiquement, est généralement d'obédience country-rock pour les arrangements, et on navigue entre rock anglais enlevé (Fireman, Seven Shades), pop anglaise 2000's (Nothing Comes To Nothing), délire jazzy-cabaret (Sequel To The Prequel), Dub (Dr No), et country-rock donc (Picture Me In A Hospital), voire folk. Et on finit en beauté avec la très dohertiesque Minefield.

  Enfin bref, jetez-y une oreille ou deux, absolument. Ca vaut largement le coup. La plupart des liens mis ci-dessus sont des extraits de live filmés par des amateurs, c'est dur de trouver des versions décentes de ces chansons sur youtube, je vous invite donc à suivre ce lien pour écouter l'abum sur spotify ou celui-ci pour deezer (version special edition dans les 2 cas).

Bonne écoute, et à dans deux jours les loulous ! 



ALEXANDRE

 

Le choix d'Etienne :

Bobby Womack - The Bravest Man In the Universe  (2012 )

     Comme beaucoup de gens de ma génération, le nom de cette légende de la soul n'était jamais parvenu à mes oreilles avant 2012. Il faut dire qu'il avait sombré dans la deuxième moitié des années 80, après un dernier album en 1985 et une compilation  "de fin de carrière" en 1993. A partir de là sa maison de disque le lâche, la drogue et les ennuis de santé non. Le voilà (presque) anonyme, et ruiné. On comprend donc le nom de cet album sorti en 2012, marquant son retour très remarqué sur la scène musicale.

     L'artiste naît dans une famille pauvre des états-unis, d'un père métallurgiste. Il commença la guitare en cachette, sur l'instrument que son père, pratiquant la coiffure pour arrondir les fins de mois, avait acquis en échange d'1 an de coupe à un client. Il débuta dans le gospel avec ses 5 frères, dans The Womack Brothers. Puis le groupe fut produit par Sam Cooke et changea de nom pour The Valentinos, alors que Robert Dwayne  "Bobby" Womack a 16 ans. Ils font alors les premières parties de Ray Charles, Sam Cooke ou James Brown. Il épousera d'ailleurs la veuve de Sam Cooke par la suite. Le groupe se séparera en 1966, et Bobby sortit son premier single, What Is This, en 1968. S'ensuivent de nombreuses collaborations et albums solo, dont le mythique Across 110th Street, musique du film éponyme, sorti en 1972, et qui sera son plus grand tube, avant sa traversée du désert débutant à la fin des 80's.

The Womack Brothers

Bobby Womack

    Grâce au dépoussiérage opéré par Quentin Tarantino, qui réutilise en 1997 Across 110th Street pour son Jackie Brown, mais surtout par la formidable perche que lui tend Damon Albarn en 2010, en lui proposant de participer à l'enregistrement, puis à la tournée de l'album Plastic Beach de Gorillaz. Et dire qu'il aurait refusé la proposition si sa fille, fan du groupe comme beaucoup de son âge, ne l'avait pas encouragé à accepter !  On y redécouvre alors sa sublime et rocailleuse voix, inchangée. C'est aussi Damon Albarn qui lui permettra de rencontrer Richard Russell d'XL Recordings, qui va produire son Bravest Man In The Universe, lui qui avait déjà produit en 2009 l'album retour de Gil Scott-Heron, I'm New Here. 
     Pour ce qui est de l'album, il nous propose ses textes parlant de foi, de pardon sur une sublime musique électronique faite par la "nouvelle génération" mélangeant soul, R'n'B et Hip Hop. Il collabore ainsi avec Lana Del Rey ou Fatoumata Diawara. La ton est sensible, les rythmes saccadés, l'instrumental classique, les aires nostalgiques. La sublime voix de Bobby apparaît comme un sample d'un autre temps, d'un âge d'or révolu, inchangée, posée sur ces boîtes à rythmes, tel un bande son abîmée. L'album culmine alors avec le très réussi Stupide et son introduction en hommage et avec la voix de Gil Scott-Heron.  
     L'artiste réussi pour moi un retour parfait, n'étant ni caricatural, ni dénaturé, il nous ouvre son cœur, et la musique y prend alors tout son sens, imprégnée de l'histoire de ce grand nom de la Soul Music.
     Comme annoncée sur notre blog, il préparerait un album pour 2014 avec la participation de Stevie Wonder (sur beaucoup de titres), Snoop Dogg, Rod Stewart, et Levert. Il n'exclu pas non plus de refaire un album avec Damon Albarn, mais pour un autre album. En espérant que tous ses projets ne soient pas coupé en vol par sa maladie d'Alzheimer.

Pour l'écouter :
Bobby Womack - The Bravest Man In the Universe ( Deezer )
Bobby Womack - The Bravest Man In the Universe ( Spotify )

Etienne