Avec cet EP apaisé, Aphex Twin se montre sous un jour plus que favorable : assagi par les années, il se place dans l'histoire des musiques électroniques en évoquant la house 80's à peine sortie de l'électrofunk, toute en mélodie et en groove, l'acid ou la deep house, et en y injectant des breaks IDM fous et technoïdes et de magnifiques harmonies rappelant le plus beau de sa période ambient. On a un peu de tout ça dans l'immense premier morceau, "T69 Collapse", qui, à l'image de l'EP dans son entier, peut être une excellente porte d'entrée vers l'artiste, fidèle à sa musique mais relativement accessible. Avec un groove presque hip-hop et une découpe très hachée, proche du footwork, du morceau "1st 44", Richard D James montre également qu'il est toujours prêt à explorer de nouveaux horizons, et signe avec ce titre à la fois contemplatif, immersif et exigeant la bande originale d'un jeu vidéo génial qui n'existe pas encore. Les petites mélodies et les sons apaisants sont accentués sur "MT1 t29r2", qui reste transpersé par un beat inhumain que ne renierait pas Venetian Snares, et montre par sa construction (un pont sublime à 3'30" qui se fond à merveille dans la musique) qu'on peut faire aussi radical que du Autechre sans pour autant se perdre dans des digressions interminables (pas de critique ici, j'ai beaucoup aimé "le dernier" Autechre. Même s'il est long...).
Aphex Twin - T69 Collapse (Clip, 2018)
Autre morceau plutôt facile à appréhender, "abundance..." possède une basse groovy et des patches de synthé pas si fou pour un grand public abreuvé à la BO de Stranger Things, tandis que "phtex" ravira les puristes des 90's tout en étant oossible à cerner par une génération biberonnée aux BO de jeux vidéos (Far Cry 1...) et de films à la BO technoïde/acid/jungle (Matrix...). C'est donc un excellent EP que je vous recommande, que vous soyez un fan du gars ou que vous vouliez découvrir cette légende de la musique électronique sans savoir par où commencer. Mes morceaux préférés :T69 Collapse, phtex, MT1 t29r2 Ecouter sur Spotify ou Deezer
Le suisse Ernesto, de son vrai nom Ernst David Handgartner Krapf, a été formé à la musique par les chorales des églises dans lesquelles son père pasteur officiait, mais également par les raves. Il a fini par inclure des influences jazz et sud-américaines dans sa musique électronique, et a composé cet album sous l'influence de Ronnie D'Addario, à qui il est dédié. D'Addario est un excellent musicien de pop baroque et power pop officiant depuis 1976, dans la lignée de Brian Wilson et Big Star. Et il est également connu pour être le père des deux Lemon Twigs.
Ronnie D'Addario - Love Stepped Out (1976)
Le résultat est un album de pop baroque absolument génial, aux accents jazz, bossa, psyché, électronique, funk... d'une richesse inouïe et d'une composition impeccable qui n'a rien à envier aux cadors de la pop sixties. On entend parfois un côté franchement italien dans la composition délicate d'"Ermes Effron" par exemple, entre grands du easy listening 70's transalpin et traces d'Ennio Morricone. Et parfois, ce sont de petites touches assez françaises comme sur "Magic" qui rappellent Air (cette symbiose basse - batterie - claviers, ce vocoder, ces accords de piano...) ou "Neptune City Limits" avec un gros côté Gainsbourg et/ou Sébastien Tellier avec ces cordes synthétiques, son synthé complètement fou (devant aussi à De Roubaix et aux italiens), et surtout sa basse incroyable. On a une belle somme de tout ça sur "All The Things You Love", au clavecin délicieusement acide.
Et puis il y les inclassables, comme le soft rock jazzy boosté à l'électrofunk qui compose "Farewell Street", qui sonne comme du Steely Dan produit par Dâm-Funk. On pense même à la BO d'un Zelda sur la conclusion de l'"Outro". Bref, un album très européen, mais pas que, et surtout une super belle claque musicale. Concis comme un classique sixties, et tout aussi bon, ce disque a tout pour plaire, alors foncez.
Pour commencer l'année sur LPAE, je vous propose un album de post-punk noizy bien badant, signé sur l'excellent label londonien Fuzz Club records, spécialisé dans toutes ces musiques obscures et déviantes, enfants du punk et enrobées d'un "neo-psychédélisme" fumeux. NONN, c'est le nouveau projet solo du suédois Christian Eldefors, qui officie aussi dans un style plus rock n'roll chez The Orange Vival, toujours signé chez Fuzz Club.
Walls, premier des 10 titres mais surtout première des compositions dans le processus de son projet solo, ouvre magnifiquement l'album. Il pose dès lors les jalons d'un univers sombre et mécanique qui constitue le cachet de NONN. Ce sont d'abord ces synthés emplis d'écho qui marquent, faisant raisonner des influences coldwave et lugubres à la Suicide. Un univers froid qui puise son inspiration dans la solitude des froids hivers suédois, contexte de composition de NONN. C'est aussi cette basse qui sonne comme la glas, dans des ambiances proches du noizy et de l' "indus".
Vient ensuite Lost et ses guitares à la The Cure, où dans une énergie mélancolique et des rythmes mécaniques, les riffs de la Stratocaster et de la basse semblent s'animer tels des fantômes. Les drums machines accentuent alors d'autant cette atmosphère industrielle. Le chant fait aussi son apparition, nonchalant et désinvolte, quelque peu effacé et en demi-teinte. Avec ce morceau c'est comme si Christian Eldefors tirait le plus sombre de Joy Division, pour l'assaisonner à la sauce New Order, dans un production 90's grung.
Christian Eldefors
Sur Stay, la dynamique s'accélère, les drums se font automatiques, la basse lourde et la guitare vrombissante. De la simplicité de l'orchestration et de la composition, le suédois tire une énergie brute et animale, allant à l'essentiel de la magie qui fait le post-punk.
Gone emboîte le pas, dans une approche noizy où les bruits sourds se répètent dans un décor sombre et inquiétant, parfait warm-up vers Cold qui continue à mettre en avant une musique synthétique, qui n'est pas sans rappeler la vague Trip-Hop qui a secouée l'angleterre des 90's.
Des sonorités 90's bien vite rattrapées par le terreau 80's de cet album, avec Need qui prouve les liens non équivoques de NONN avec le shoegazing et son chef de file My Bloody Valentine. Le morceau est sombrement excellent et rend parfaitement honneurs à ces groupes tels Bauhaus ou Cocteau Twins. De ces derniers, comment ne pas citer l'anthologique Blind Dumb Deaf , chef d'oeuvre du genre.
On accélère légèrement le bpm sur le morceau suivant, avec le single Hills, où la basse prend tout son essor pour impulser un post-punk nihiliste et décadent. Dans la gravité et la tristesse de l'ambiance, vient alors percer cette guitares claire et pure, à la manière des Smiths, dotée d'une composition des plus simples et efficaces. Là encore la voix semble se fondre dans l'écho, nourrissant le lugubre de l'univers musical de NONN.
Le lugubre monte encore d'un cran sur Time ou les battements mécaniques nous hypnotisent et les effets sonores créez un psychédélisme sinistre, entre écho et fuzz à foison. Cette ambiance continue sur le très dérangé Fear, qui poursuit notre funèbre voyage. En plus énervé, on peut aussi penser à des artistes comme Thee Oh Sees, qui ont réussi à mélanger au punk un néo-psychédélisme inquiétant. Wait clos alors en simplicité l'album dans un marasme synthétique.
En somme, rien de nouveau dans la musique de NONN , qui fait écho à beaucoup d'influences 80's et d'autres artistes voguant aujourd'hui encore sur cette vague post-punk, à l'instar de A Place To Bury Strangers.Cependant, la sincérité et l'instantanéité de cette musique lui donne un caractère singulier dans ce genre déjà bien usé. Elle n'y est aucunement poussive et est animée d'une énergie authentique, rappelant le meilleur du shoegazing anglais.
Pour écouter et se procurer l'album, ça se passe sur Bandcamp.Pour aller plus loin, je vous recommande l'interview de Christian Eldefors sur The Seventh Hex.
Les semaines passent et ne se ressemblent pas sur La Pop d'Alexandre et Etienne. Après une troisième playlist sur Dark Entries Records et ses sons l'electronica 80's, cette 4ème playlist vous emmène sur les vaporeux chemins de la techno minimale avec le label Nous Disque. Malgrès un nom à la consonnance francophone, ce label fondé en 2013 nous vient de Grèce et est basé à Berlin, capitale mondiale de la minimale. A l'instar de l'esthétique de sa musique, le label cultive l'anonyma et le mystère à son sujet, ne laissant filtrer que ses sorties sur son site internet épuré au maximum. Il en est de même de tout le travail visuel des très nombreux artistes signés, donnant à voir une iconographie abstraite, géométrique et où le noir et blanc est la règle. un esthétique froid et impersonnel qui colle parfaitement à cette techno berlinoise attirée vers l'ambient et ayant toujours et un pas d'avance sur la techno du futur. Ayant signé des artistes aux quatre coins du monde, ils sont un reflet précieux d'un mouvement global, au delà des scènes locales. Ils ont ainsi pu mettre en valeur tant des petits que des gros artistes, avec de gros succès à leur actif, comme le génial Stuck In Socks de Moodcut, enfant de Manchester.
On commence avec le très minimal Velvet de Cofaxx, à sortir en août sur son Pico Vu EP. Le producteur New-Yorkais y propose une house chill sur base de trip planant et sensoriel, tirant vers la mouvance ambient. Les influences y sont très anglaises 90's, avec une construction très mélodique. L'amour du monsieur pour les synthétiseurs et autres joujoux musicaux y est assumé et communicatif. Tout l'album est du même niveau et vous promet un moment de détente auditive assuré!
Le deuxième titre nous vient d'un musicien égyptien, Ismael., avec son Low Contrast EP sorti au mois de juin dernier. La techno est là d'inspiration purement berlinoise, avec des sons industriels et crasseux, comme sortant d'un vieux poste radio SCR-536. La mélodie plus que minimaliste n'a en fait qu'un rôle rythmique, soulignant des beats graves à la réverbe et à la distorsion hypertrophiées.
Témoin de la richesse géographique des signatures du label, le dernier titre que je vous propose est l'oeuvre de la tokyoïte Sapphire Slows, sorti en mars dernier au sein de The Role of Purity EP. Dans un style purement post-electronica, vous ne trouverez ici aucun beat, seuls un, puis deux et enfin trois synthétiseurs s'y entremêlent entre echo et arpeggiator. Dans ce que l'on pourrait presque qualifier de l'anti-techno, la mélodie est reine. Ce n'est pas sans rappeler le très bon travail de nos compatriotes d'Egyptology sur The Skies (2012), dont je vous recommande chaudement la découverte.
Cette semaine je vous présente le magnifique label New-Yorkais Dark Entries Records, oeuvre de Josh Cheon, fou furieux collectionneur de pépites électro indé 80's et de ces sons de synthétiseurs modulaires. Il oeuvre avec passion sur ce label depuis 2009 à ressortir toute cette facette oubliée d'une disco plus dark et surtout plus synthétique. Il ne se fixe aucune frontières, ni musicales, avec un catalogue qui s'étend du post-punk jusqu'aux origines de la house music, ni géographiques, rééditant par exemple le très bon album solo du français Philippe Charry, Rive Gauche (1983), membre de Love International, connu pour son Dance on the groove and do the funk. Le label est notamment à l'origine de l'indispensable réédition de l'album School Daze de Patrick Cowley en 2013, présent sur une de nos précédentes playlist#1 : dans les oreilles d'Etienne. Mais il ne se contente pas de redonner une nouvelle vie à tous ces chefs d'oeuvres discoïdes, puisqu'il signe aussi sur ce label de nombreux nouveaux artistes, accompagnant ainsi le revival 80's et la flopée d'albums qui s'en suivent.
On commence d'ailleurs avec Crotch Rocket du duo Looky Looky et son italo-disco, dont le nom fait honneur à l'un des singles du premier album du père fondateur du style, Gorgio Moroder. Une italo-disco qui mord allégrement vers des sonorités aux influences house 80's, notamment celles de Détroit dont ils sont originaires. Le single fait parti du premier album de Looky Looky, Part Flamingo, sorti en février 2017 et dont nous vous recommandons activement l'écoute.
Autre sorti récente du label, puisque de mars 2017, cette fois ci beaucoup plus 90's et house dans ses influences, le Dualism Ep du producteur anglais Solitary Dancer dont voici le magnifique Anything. On tape ici dans de techno berlinoise dans toute la magnificence du style, avec un beat froid et ravageur, ampli de réverbe et contrastant avec une production très feutrée.
On termine par la réédition du génialissime Closer / Tam Tam du parisien Jean-Marie Salaun sous le nom de projet Codek. Sorti en 1981, ce 2 titres de proto-électro-funk atypique dans le paysage musical français est littéralement une petite bombe atomique. Le Closer qui ouvre l'Ep ne vous laissera d'ailleurs pas indifférent avec ce fantastique arpeggiator de synthétiseur modulaire (un Minimoog model D de 1978 probablement), constituant le dénominateur commun de l'esthétique visuel du label Dark Entries Records. Sur cette base mélodique vient alors se greffer chants africains, cuivres et cocottes funky à la Fela Kuti, dans un style afro-beat discoïde et électronique. Le disque est d'ailleurs initialement sorti sur le label ivoirien West African Music en 1981, avant de sortir sur le fameux Island Records l'année suivante, pour être distribué au Royaume-Uni et en Europe. Cette réédition est à sortir pour le 18 juillet 2017 et vaut vraiment le détour, à bon entendeur !
Vous l'aurez compris, je ne tarirais pas d'éloge au sujet de Dark Entries Records qui est probablement l'un des labels de réédition et d'édition le plus excitant de ces dernières années, tant par la qualité des oeuvres dénichées, que par leur quantité et par le remarquable travail d'historien réalisé autour. Je vous encourage ainsi à vous perdre sur leur site ou leur Soundcloud qui regorge d'innombrables pépites à savourer sans modération.
Bonne écoute et à la semaine prochaine pour une prochaine playlist house !
Voici le premier trio de house hebdomadaire que La Pop d'Alexandre & Etienne vous propose tout l'été. En ce premier vendredi, nous traversons la Manche pour mettre en lumière la mythique house anglaise avec les dernières sorties du génial label londonien 17steps.
Cette sélection commence par le single du dernier EP de Dusky, duo phare et fondateur de ce label aux 3 ans d'existence. Londoniens que l'on avait pu découvrir sur leurs géniaux EP précédents, Lydia, Careless, Nobody Else ou encore Ordinary World, dans un style house très mélodique, inspiré de l'electronica et laissant la part belle aux samples vocaux. Sur leur dernier EP, Cold Heart, sorti en ce mois de juin, ces sons très 90's ne font pas défaut. La preuve en est avec ce magnifique titre éponyme.
Puis vient la techno beaucoup plus sombre et mécanique de Christian Piers, avec une autre signature récente du label que ce Detachment EP, proposant une musique plus proche de la scène berlinoise.
Pour clôturer cette première playlist en terres anglaise, voici le merveilleux single de Simon Baker alias B.K.R, produit avec son compatriote Jamie Jones, dans une fusion des meilleurs goûts entre la house anglaise et la techno de détroit. Je vous recommande chaudement son Fly EP sorti au début de l'année ! Pour en savoir plus sur ce très bon label, allez voir le site de 17steps recordings.
Tout commence par quelques notes de clavier, un beat organique et chaud, une guitare, puis ce chant en brésilien. Une voix douce, une sensibilité immédiate, un vécu riche assurément. Et quand le rythme s'installe, que les choeurs angéliques débarquent, le délicat équilibre n'est que renforcé et non dénaturé, et ce "Perfume do Invisivel" introductif se fait funky, et on tient là le premier classique de l'album. Les autres morceaux seront du même acabit, entre (électro)funk discoïde, pop classieuse, et bossa nova au sens large et généreux du terme, toujours portés par cette voix magnifique.
Les touches de synthé funk soutiennent "Arrastarte-Ei", "Amor Pixelado", "Rapsodia Brasilis" et ses dissonances, "Varanda Suspensa", sa basse serpentine, et son refrain accrocheur... et surtout "Etilica/Interludio". On pense à plein de choses en écoutant cette musique, mais aucune influence écrasante, tout cela est très personnel et repose beaucoup sur le charisme et la sensibilité du chant de Céu. Cela se sent aussi dans les quasi-berceuses "Sangria" et "A Menina e o Monstro" qui part en free rock avec ses guitares déstructurées. Le funk se fait plus organique et chaloupé sur des morceaux comme "Minhas Bics" et son côté surf avec influences afro-caribéennes, et le morceau le plus tubesque du disque qui pourtant est très accessible malgré la richesse et l'intégrité de la musique, le disco "A Nave Vai".
L'équilibre est fragile lors de morceaux comme la ballade "Camadas" moins marquante faute à des cordes attendues, mais pas honteuse non plus, et "Chico Buarque Song", à cause notamment de l'emploi de l'anglais et d'un refrain plus "gros", mais le morceau retombe sur ses pattes grâce au talent de Céu.
Bref, un excellentissime album dont je m'étonne du relativement faible écho médiatique. Et auquel je voudrais donc à ma petite échelle rendre justice, en vous proposant de l'écouter ici. Je vous garantis que cet album brésilien, un des plus beaux de cette année, saura conquérir votre coeur. Vous m'en direz des nouvelles.
Bonne écoute, merci pour votre lecture et vos commentaires, et à bientôt !
Après vous avoir parlé d'une incursion réussie de Bowie dans l'électronique, permettez-moi de vous présenter une incursion de l'électronique dans Bowie.
Bon, je ne vais pas vous faire l'affront de vous présenter Bowie, génie absolu de la musique pop. Par contre, pour ceux qui sont passés à côté de Air, il vous faudra peut-être revenir sur vos écoutes. Car il s'agit bien d'un des groupes majeurs de ces 25 dernières années. Leur musique, entre Gainsbourg, ambient, électronique façon Kraftwerk ou de Roubaix et les orchestrations qui n'ont pas à rougir pas devant une BO de Morricone, est d'une richesse et d'une finesse inouïe.
Le groupe Air
Air, alors au sommet après la sortie de chefs-d'œuvre comme Moon Safari, Virgin Suicides et 10 000 Hz Legend, ont participé aux bonus de l'album Heathen de Bowie en le gratifiant d'un remix de leur cru. Autant le dire tout de suite, la version de Air est le meilleur bonus de ce disque (et sûrement un des meilleurs remixes que je connaisse) et, malgré toute mon admiration pour Bowie, explose largement l'originale. Cette dernière est une agréable chanson pop rythmée et parsemée d'électronique.
Le remix, quand à lui, est intense. Sur un fond musical électronique, froid et clinique (inquiétant aussi) la voix de Bowie se fait plus grave, rehaussée par moments d'un vocodeur distillant là aussi très bien une atmosphère inquiétante. Les chœurs et la voix sont merveilleusement mis en valeur, l'ambiance est paranoïaque, on croirait la BO d'un film de SF en pleine dystopie. Alors que Bowie implore, se désespère, se lamente, la musique s'intensifie.
Des moments d'accalmie surviennent quand une orchestration plus organique fait son apparition et permettent de dynamiser ce remix et de le propulser vers les sommets, jusqu'à un solo de guitare final au son typique de Air qui va achever ce remix en beauté.
Magnifique.
Merci pour votre lecture et vos commentaires et à bientôt !
Le premier album du groupe parisien sort en ce début de mois de juin sur le label Cracki Records ( + Parlaphone ) pour nous délivrer une dream pop aux forts accents de folktronica ( surement un mot inventé par Barney Stinson, mais qui a pour principale qualité d'être plus original qu' "electrofolk" ).
En soit il ne créent rien de novateur dans ce genre de la deuxième partie des 00's et qui fut encore très fécond l'an passé, ils jouent dans les même registres que Warpaint ( quoi que moins rock ), Pantha du Prince pour le versant plus electronica ou Bon Iver pour le versant plus folk. Mais c'est fait avec tant de délicatesse et d'une manière si somptueuse que je n'arrive pas à me lasser de ces ambiances et de ses voix aériennes, épicées de mélodies et sonorités orientales, états-uniennes ou nordiques.
Ils réussissent alors le difficile pari de faire une musique rêveuse sans nous endormir, grâce à des boîtes à rythmes fermes et mises en valeur, rendant des morceaux comme Pandora's Box très dynamiques ou même grâce des morceaux plus électriques à l'instar de The Devil's Hand, sonnant comme un bon vieux rock'n roll fantomatique. Cet album a aussi son lot de tubes comme Early Morning ou Midnight Sun, sorti depuis plusieurs mois ou années, et ayant fait la renommé du groupe. En résulte ainsi un équilibre parfait, alternant ambiances, cultures, instruments, rythmes, pour un splendide voyage auriculaire.
On vous avait annoncé une nouvelle sortie du producteur lituanien pour 2014, ici, et bien il ne s'est pas fait prier pour nous servir ce mois-ci, sur un plateau d'argent, la preview de sa toute petite galette de 2 morceaux, nommée Walking with Elephants et à sortir pour le 5 mai.
Voilà donc le 3ème EP de Ten Walls, qu'il "réussit" à faire encore plus court que les précédents : 7 minutes 30, mais que de pure bonheur ! Malgré une histoire d'éléphant, rien de dénaturé dans le son, toujours ces rythmes indélébiles, une ambiance poétique et une électronica nordique. En un mot : parfait. J'apporterai une attention particulière pour l'excellent titre Walking With Elephants qui s'impose sur ce 2 titre et donne d'ailleurs son nom à l'EP. Parcours sans faute, donc, quoi que bien trop court, où nous restons captivé sur tout ce qui se déroule sous nos oreilles ébahis. Finalement c'est un peu comme de la cuisine moderne : très peu a se mettre sous la dents, mais beaucoup sous le palais. Le monsieur continue sa sublime ascension et nous le suivrons encore passionnément pour ces prochaines aventures, en espérant qu'il passe au format roi, l'album, pour marquer d'une empreinte mature sa discographie. A l'instar de Todd Terje, avec le bien nommé It's Album Time, qui a réussi à merveille ce passage dans la cours des grands. Mais en attendant il marque, à mon humble avis, une des grandes sorties électro de 2014, tout comme Boxed Out de Detroit Swindle, en ce début d'année.
Pour continuer dans cette lignée de musique éthérée sur la quelle, il faut bien dire, je psychose en ce moment, je vous propose de décliner l'exercice de style à l'électro minimaliste, avec le pianiste japonais Ryuichi Sakamoto ( clavier du Yellow Magic Orchestra ) et Carsen Nicola, aka Alva Noto, artiste électronique allemand. Revep ( ou Reve Ep ? ) est la troisième des cinq productions du duo.
Je vais aller droit au but : c'est EP est SUBLIME. D'un minimalisme franc et déconcertant, il ne s'embarrasse ni de compositions, ni d'instrumentation complexes, ni même de voix, 3 titres suffissent, la messe est dite. Les deux musiciens nous laissent seulement apprécier le bruit, la profondeur, la clarté de la musique. La poésie de l'oeuvre est somptueuse et envoûtante, rivalisant avec celle d'Aphex Twin, dont la construction semble se rapprocher.
Se crée alors entre les deux hommes, les deux cultures, les deux styles, une symbiose passionnelle, orbitale, mais aussi labile.
Ce caractère anarchique est fascinant, comme ci l'on avait à faire à une machine défaillante, au bord de la mort, essayant de copier la nature, représentée par le piano.
Le premier morceau, Siisx, est peut être le meilleur avec ce fragile équilibre, ces notes impalpables, cette profondeur, presque un travail dans l'espace avec ses points de fuites et lignes d'horizon. La douceur de l'œuvre est à son apogée, et le temps semble suspendu, tout le reste paraissant superflu.
Puis vient Mur, plus grave, plus mélancolique, le piano se fait accord, le kick est agressif, presque violent comparé à ce dernier.
L'EP se termine par Ax Mr. L. où l'anarchie semble dominer, un goût d' "error 404" dans les oreilles, pour finalement se structurer, avant une fin brutale, inexpliquée, tout comme cette musique.
Magnifique ! Ce "duel", piano - électronique, cet
espèce de pingpong électroacoustique, est absolument génial. Un EP très
poétique, exigeant musicalement mais qui reste accessible au commun des mortels. Ma préférence va également à "Siisx", mais tout l'EP est excellent. Gentes dames, gentlemen, foncez l'écouter !
Voici le premier album, sorti en 2007,
d'un trio Australien d'électro-pop/synthpop venant de Melbourne ( enfin un moyen de me rappeler que c'est la capitale de ce pays
et non Sydney ) signé chez le label Siberia Records pour ses deux
premiers albums.
Il est intéressant de constater que leur dernier
album est sorti sur le label français Records Makers, label du
groupe Air comptant parmi ses rangs Sébastien Tellier, Kavinsky,
Hypnolove, etc. Et ceci n'est pas un hasard, puisque ce groupe fan de
French Touch ( Daft Punk, Cassius, Air et autres fleurons de ce
mouvements) s'est fait "pistonner" par le groupe
Justice. Ils ont alors pu les introduire dans le paysage musical
français grâce à des premières parties de leurs lives.
Pour la petite histoire : le groupe
australien à rencontré Justice de passage en Australie pour leur
tournée mondiale, et les ont invité pour la nuit. Chez eux ils
montrent au duo français leur travail qui va alors tomber sous le
charme de leur musique.
Ce 13 titres y mélange allègrement de
nombreux genres en naviguant entre des rythmes électros, des synthés
new-wave , des guitares rocks et des vocales pop. Le tout pour former
un son en hyperespace, très homogène, sans froufrous, allant droit
au but, avec en fil d'Ariane une tension frénétique qui nous tient
en allène pendant 50 minutes.
Le "juggernauts", comme ils s'appellent, nous font pénétrer dans leur univers grâce à une intro très
picturale ( je ne peux m'empêcher d'y voir Louis De Funès
découvrant la soucoupe volante dans les gendarmes et les
extra-terrestres ) nous mettant directement dans le bain cosmique de
leur univers. Mais dés le nom de l'album, faisant référence à "un récit de fiction peignant une société imaginaire organisée de telle façon qu'elle empêche ses membres d'atteindre le bonheur", le groupe montre son intention de nous plonger dans une ambiance imaginaire, teintée de nostalgie .
Vient ensuite Ending Of An Era qui
dans un rythme métronomique et un chants froid nous embarque
progressivement dans cette balade en soucoupe volante. Il reste
cependant trop plat, voir insipide, comme une prolongation de
l'introduction. Les vaisseaux voleraient-ils au diesel ?
Le titre suivant, Into The Galaxie, est
le tube de cet album. Le ton est donné, nous voilà propulsé en
vitesse supra sonique, comme si le David Bowie de la "Trilogie Berlinoise" refaisait surface sur du Gorgio Moroder. Le son mono-tonique prend
alors tout son sens lorsqu'il est amené avec le punch de la batterie
et du chant.
Into The Galaxie
La 3ème chanson, Shadows, est imprégné
de la même énergie grâce à une basse à la sauce « Cross »,
le premier album de Justice.
Shadows
Le 4ème titre, Worlds Converged,plus
grave, nous rappelle lui Audio, Video, Disco, le deuxième album de
Justice, avec ses chœurs, sur une rythmique faisant pensé à du
Kavinsky. Le morceau demeure cependant assez transparent.
S'en suit Dystopia, une douce balade
presque folk permettant de rééquilibrer l'agressivité de l'album.
Mais ce n'est que de courte durée,
puisque vient Road To Recovery, titre abrasif et psychotique par son rythme brutal slalomé de guitares funks et d'un synthé en
reptation, donnant un groove certain au morceau qui est peut être le
meilleur de l'album.
Road To Recovery
Scorpius nous rappel le groupe Air et
s'aventure du côté kitsch des rythmes cardiaques, des chœurs, et se pose comme
un entracte n'ayant pas d'intérêt individuel.
Twenty Thousand Leagues continue dans
cette vague de pop kitsch, faisant pensée à du Housse de Racket en
moins réussi.
Scorpius
S'en suit Tombstone qui s'aventure sur
les terres de Daft Punk avec son vocoder, mais qui peine à se
détacher de l'album, du faite de ses rythmes commençant à être
répétitifs. Mais c'est peut être cette répétition tout au long des morceaux qui nous
plonge dans une autre dimension, donnant toute la cohérence à
l'album, quitte à être monotone.
Tombstone
Mais Nine Lives arrive pour nous
replonger dans un bain d'énergie et pour nous faire comprendre que
ce groupe à quelque chose en plus, de différent, un son qui vient
de l'espace ? En tous cas notre hochement frénétiquement de la tête semble dire « oui ».
So Many Frequencies nous ramène lui
dans le passé avec ses teintes new-wave du futur. Ce morceau garde
la même densité, à corde tendu, comme si le temps nous était
compté.
Et nous finissons dans la douceur deAurora, qui revient sur l'ambiance d'introduction, comme si nous nous
réveillions d'un doux rêve, avec ce bruit de vaisseau
qui nous reste dans les oreilles et qui vient en écho à celui
d'introduction, pour en faire une boucle, à la manière d'une
soucoupe. Nous n'avons alors qu'une envie, malgré un milieu d'album
plus pauvre et le caractère trop dense des morceaux, celle de relancer ce rythme compulsif qui nous a bercé durant tout l'album, comme si cette monotonie psychotique nous
manquait.
Album Complet
On peut donc voir de nombreuses
influences dans cet album : Justice, Air, MGMT, Depeche mode, Gorgio
Moroder, David Bowie, Electric Light Orchestra. Ces deux époques
s'entrechoquant au sein de cet univers pour lui donner un rendu
rétro-futuriste unique qui mérite le coup d'oreille.
