Kedr Livanskiy - Your Need (2019)

  La chanteuse et musicienne moscovite Kedr Livanskiy avait envie de nouveaux horizons musicaux. Après un très bon Ariadna (2017) entre pop new age planante, krautrock ambient et new wave gothique, elle a trouvé une nouvelle direction après avoir fait ses preuves en tant que DJ, et s'est penchée sur un versant house des débuts, plus énergique mais pas que (guetto, breakbeat, UK garage, dub...). A quatre mains avec le producteur Zhenya, ils ont composé ce Your Need aux sonorités plus dance. Et c'est une réussite.

  L'album commence fort avec "Your Need", grand morceau d'électronique rythmée et planante, sonnant un peu comme un remix de house froide aux accents dub d'un morceau de Grimes, doté d'un gimmick de synthé obsédant. "Sky Kisses" possède le charme espiègle de l'électro des nineties et la douceur réconfortante de la deep house (retrouvée sur "Your Need (Deep Mix)"), tandis que "Why Love", un poil plus dark et gothique, ensorcelle dans une ambiance plus proche de l'album précédent.

Kedr Livanskiy - Your Need (2019)

  L'énergie de l'électronique old school est particulièrement bien rendue dans sa version ici modernisée ("Bounce 2"), et le mélange des genres entre chant éthéré en russe, claviers à la Kraftwerk et house 80's arrive à créer quelque chose de nouveau et unique sur "Kiska". Ces hommages à une époque où les barrières entre house, techno, électrofunk... étaient plus que floues viennent d'un respect et d'un amour profond pour la musique des pionniers de l'électronique, et ça s'entend car ils sonnent juste ("City Track").

  Quelques sorties de route diversifient le paysage sonore du disque, comme le dub digital de "Logovoy (November Dub)", la jungle mâtinée de dub de "Ivan Kupala (New Day)" ou l'électropop mélodique de "LED". 

  C'est une réussite totale, Kedr Livanskiy a réussi à créer un album passionnant et prenant en se basant sur son amour des productions électro old school, en y piochant ce qui l'a fait vibrer et en y ajoutant sa touche personnelle, et c'est très beau.

Mes morceaux préférés : Your Need, Sky Kisses, Kiska, Ivan Kupala (New Day)

Ecouter sur Spotify, Deezer, Bandcamp

Alex

Boy Harsher - Country Girl Uncut (2019) & Careful (2019)

  On continue avec quelques excellents albums de 2019 qui n'ont pas encore été abordés sur le blog faute de temps ou parfois de recul, parce qu'une oeuvre d'art ça se dévoile parfois avec une certaine maturité et donc plusieurs réécoutes dans notre cas.

BOY HARSHER - COUNTRY GIRL UNCUT (2019)

  Des deux albums de Boy Harsher sortis cette année, j'ai une préférence nette pour Country Girl Uncut, suite et prolongement de leur EP de 2017. Minimaliste, industriel, il est hypnotisant, obsédant. A la fois planant, rythmé, brutal, aérien, ses variations autour d'une pop électronique à la fois référencée et aventureuse font mouche. Pas si loin des Junior Boys et de Jessy Lanza (que j'adore), et avec un petit côté dance-punk à la DFA (on pense à Juan MacLean), "Motion" ouvre le disque sur une note de perfection, alternant brillamment entre un des nappes de synthé deep house lumineuses et des parties rythmiques implacables. "Electric" est plus sombre, comme Depeche Mode au sommet de leur décadence, dévoilant une techno-pop sexuelle de club souterrain, et re-démontrant au passage l'influence énorme de Kraftwerk sur la culture populaire.

Boy Harsher - Country Girl (Clip, 2019)

  Autre monument, "Country Girl" est peut-être mon morceau préféré du disque. Il joue du clair-obscur évoqué plus haut avec une intensité déchirante. On pense à nouveau aux Junior Boys, mais quelques échos d'Alan Vega dans la voix, et d'autres éléments comme une guitare lointaine viennent diversifier le panorama sonore, jusqu'à l'apothéose du disque : le changement de beat un peu avant 2'30" qui fait penser aux débuts de New Order (on est dangereusement proche de la perfection absolue de "Blue Monday"). Ces quelques secondes aux proportions épiques, qui se déclinent jusqu'à la fin du morceau, font partie des meilleurs instants musicaux que l'année a pu nous offrir.

  Après un tel chef-d'oeuvre, un seul moyen de rebondir : une ambiance planante, presque ambient, mais menaçante, et c'est précisément ce que "February" arrive à instiller, permettant à l'indus d'"Underwater" puis à la synthpop dark de "Send Me a Vision" de prendre toute leur place. Cette dernière, tout comme "Westerners", m'évoquent un peu les Pet Shop Boys en plus industriel, et sont d'excellents morceaux. "Swing", ballade toxique et mystérieuse, sans percussions vient clôturer cet incroyable album sur une touche plus vénéneuse, intrigante. Vous l'avez compris à ce stade, je suis totalement sous le charme de ce disque concis et percutant, qui m'impressionne d'autant plus qu'il est sorti la même année que Careful, autre très bon LP que l'on va aborder maintenant.

Mes morceaux préférés :  Motion, Electric, Country Girl

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BOY HARSHER - CAREFUL (2019)

  Le disque commence cette fois-ci par "Kick Driving", sur un drone insistant, montant en pression crescendo, avec une voix sensuelle et menaçante à la fois, comme une collaboration entre le Velvet Underground (période Nico) et Suicide. On déboule ensuite sur la synthpop rétro de "Face The Fire", puis la coldwave de "Fate", à la force de frappe monstrueuse avec son kick massif et son gimmick de synthé obsédant. Un grand morceau.

Boy Harsher - Fate (Clip, 2019)

  Retour des hits orchestraux et des basses électrofunk à la Pet Shop Boys sur la très bonne "LA", puis un beat à la Moroder (ou plus probablement Patrick Cowley, sombre et sexuel) sur "Come Closer", de la new wave des débuts ("The Look You Gave (Jerry)"), avant de bifurquer sur un autre tube synthpop potentiel avec "Tears".

  L'ambient de "Crush" relance la tension avant la très Depeche Mode "Lost", qui comporte quelques accords plaqués néo-80's que certains artistes French Touch n'auraient pas reniés, et une intensité digne de Bronski Beat. Le disque s'achève sur le cinématographique et ultra-flippant "Careful".

  Bref, on n'est pas loin du tout de la perfection de Country Girl Uncut, et ce Careful est un excellent disque, qui fait tout autant partie des meilleures sorties de l'année. A noter que le groupe a publié une compilation de remixes de l'album que je vous encourage à tester si vous avez aimé le disque (lien ici).

Mes morceaux préférés : Kick Driving, Fate, LA, Tears, Lost

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Orville Peck - Pony (2019)

  Sur une suggestion Twitter, je file écouter ce disque, Pony, de Orville Peck (un inconnu pour moi) au pif, ne connaissant pas l'artiste. Et je tombe sur le premier morceau, "Dead of Night", qui démarre un peu Johnny Cash, un peu Chris Isaak, un peu Depeche Mode façon blues-rock, avec une production impeccable, très Phil Spector, et un côté fantasmagorique venu de chez Roy Orbison, cette ambiance à la Twin Peaks que n'aurait pas reniée Lana Del Rey. Et là le refrain déboule, avec cette voix 80's à la Talk Talk, et je suis conquis. Putain, quel morceau. Ah et, ayant vu le clip après coup, apparemment il cultive le look masqué et joue sur ce côté mystérieux, mais ça je ne l'ai vu qu'après écoute.

Orville Peck - Dead Of Night (Clip, 2019)

  On continue sur cette très bonne lancée avec "Winds Change", plus Cash/Orbison, avec toujours ce chant expressif, puissant. Quelques échos post-punk viennent nourrir la plus pop "Turn To Hate", également impeccable, tandis que c'est plutôt aux Cure des débuts, aux Jesus & Mary Chain et surtout à Sonic Youth qu'on pensera en écoutant la très bonne "Buffalo Run".

  Je suis un peu moins emballé par la suite, je trouve les morceaux "Queen of the Rodeo", "Roses Are Falling" (très Elvis période pop), et "Hope To Die" (aussi gothique que son titre) un peu moins percutants même si très aimables, et "Kansas (Remembers Me Now)" un peu vite expédiée alors qu'il y avait beaucoup de promesses dans ces chœurs intriguants. Une petit interlude expérimental à la Scott Walker, "Old River" est planqué au milieu de ces titres. Un cran au-dessus, "Big Sky" a beaucoup de style, tandis que la très Johnny Cash "Take You Back (The Iron Hoof Cattle Call)" sonne comme un générique de western, et c'est plutôt cool. L'album finit sur une touche très élégante avec "Nothing Fades Like the Light", qui prouve toute la puissance et la subtilité de l'interprétation du chant d'Orville Peck puisqu'on croirait entendre un des morceaux les plus tendres de Presley.

Orville Peck - Turn To Hate (Clip, 2019)

  Finalement, le seul défaut de ce disque c'est d'avoir commencé tellement fort qu'il était difficile de tenir les promesses d'un tel enchaînement de morceaux géniaux. En dehors de ça, c'est une superbe surprise, et certains de ces morceaux risquent de passer en boucle chez moi, grand amateur de crooners country/rock à la Presley, Cash, Orbison & co. Je recommande donc chaudement, et merci internet pour la découverte.

Mes morceaux préférés : Dead Of Night, Winds Change, Turn To Hate

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Alex

Projet Marina - Echos (2018)

  Projet Marina a tout pour plaire. D'abord ils sont Nantais, et c'est cool parce que finalement je ne connais pas tant que ça de groupes nantais qui me passionnent, et que j'aurais peut-être l'occasion de les voir en live. Mais surtout parce qu'ils ont tout pour eux : une musique puissante et radicale, dans un genre post punk / indus / gothique froid et menaçant, mais avec un côté vicieusement accrocheur dans les mélodies, les rythmiques et les sons, comme les meilleurs Suicide, Cure, Nine Inch Nails, Depeche Mode, et bénéficient d'une production relativement clean moins facile à gérer dans le genre qu'un brouillard lo-fi, mais qui est totalement à leur avantage ici.

Projet Marina - Rage (2018)

  Le premier morceau, "Rage", est mon préféré du projet : beat implacable passant par milles variations, tension qui monte sans se résoudre, prod lancinante et hypnotisante, texte intense et ambigu délivré avec une rage qu'on sent poindre derrière une diction contrôlée, aussi sexuel qu'inquiétant, délivré par un , aussi mal, et une conclusion virtuose. Un peu comme si Paradis s'était mis à faire de l'indus après un bad trip, mais en mieux. L'alliance de chanté-parlé en français et de rock n'a rien à envier à des chouchous de la critique comme les Limiñanas, Etienne Daho, Bertrand Belin ou La Femme, et arrive tellement bien à égaler (au moins) leur niveau qu'on a l'impression d'entendre un album financé par une grosse maison de disque plutôt qu'une sortie indé (c'est dit ici dans un sens positif). 

  Malgré ce coup d'éclat inaugural, le disque est loin d'être l'oeuvre d'une seule chanson. "Nu Disco" à elle seule ferait d'ailleurs mentir cette phrase, tant elle arrive dans un genre plus synthpop à atteindre à nouveau des sommets Pop sans la moindre concession (on est plus proche des hymnes déviants de Grauzone, Odonis Odonis en plus récent ou des débuts de New Order que d'une new wave tubesque). Et là encore, la construction méticuleuse du morceau (presque kraut) est parfaite. Finalement, je l'aime sans doute autant que "Rage", ça m'apprendra à écrire trop vite. 

Projet Marina - Nu-Disco (2018)

  Qu'on soit dans un drone anxiogène prenant ("Lou Andreas", toxique comme un Bashung sous coke ou un Daniel Darc période Seppuku, période Play Blessures, accompagné par un Velvet Undergound qui se serait mis aux synthés) une coldwave upbeat implacable ("La Louve", ayant le bonheur de me rappeller le premier EP de La Femme, le meilleur de mes chouchous Sealings et le plus sombre de The Drums et de son leader Jonny Pierce en solo), ou dans une divagation psychédélique synthétique belle comme du MGMT (3e album), du Suicide (2e album) ou du Flavien Berger en plus costaud, sur "La Brûlure", on atteint à chaque fois la perfection. 

  Le morceau de bravoure "Comme si", entre indus à la construction patiente (Odonis Odonis là encore, un soupçon de LCD Soundsystem, un peu d'Arnaud Rebotini), acid house dantesque, échos dub bienvenus, et prog synthétique et planant, est une pièce épique et introspective à la fois, comme on n'en rencontre plus tellement depuis la fin des années 70-80 (et c'est bien dommage quand on entend des merveilles comme cette track). On pense qu'"Echo" va suivre le même chemin, mais le groupe a le bon goût de surprendre en accompagnant son électronique contemplative et cinématographique aux basses lourdes par un rock psychotique, avant de finir en apothéose par une origie sonore au rythme qui tabasse sur "Guider ses Pas", à l'esprit presque aussi garage (et psyché) que Thee Oh Sees (on n'est pas si loin du génial projet parallèle Damaged Bug de John Dwyer).

Projet Marina - Guider Ses Pas (Clip, 2018)

  Cet album est un chef-d'oeuvre, il n'existe pas d'autres mots, et ce groupe est une découverte totale (merci à la radio Prun' pour ça, comme quoi il existe encore des radios passionnantes, n'en déplaise aux passéistes), qui s'avère être essentielle. J'ai beaucoup apprécié leurs précédents projets, à côté desquels j'étais évidemment passé, et ils sont également très bons, si vous avez aimé celui-ci je vous encourage à aller sur leur Bandcamp les écouter (lien ci-dessous). Mais ce LP est une véritable consécration artistique sur lequel les Projet Marina se sont dépassés, et qui mérite largement sa place parmi les meilleurs albums de l'année.

Mes morceaux préférés : Rage, Nu-Disco, Comme Si

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Alex

EYEDRESS - Sensitive G (2018)

  Tombé un peu par hasard sur EYEDRESS, j'avais adoré son très court mais très bel EP sorti plus tôt dans l'année. Voyant quelques singles sortir, je me précipite sur sa page, pour découvrir avec surprise que le philippin avait carrément sorti un album, je m'y suis donc plongé curieux et emballé, et je n'ai pas été déçu.

  Dès la première chanson, "Ancient Love", on passe par milles émotions. Le music nerd s'émerveillera de la fragilité presque TV Personalities du morceau, du son très post punk voire psychobilly (à tendance Jesus & Mary Chain aussi, on va jusqu'à reprendre partiellement le beat de "Just Like Honey", piqué à la Motown et à Phil Spector), des digressions contemplatives de la guitare psychédélique, mais tout cela n'est pas très important, si ce n'est pour évoquer le fait qu'EYEDRESS maîtrise son sujet et que ça se sent, dans le naturel avec lequel le titre se structure, dans sa justesse au niveau des arrangements, dans la délicatesse et l'intensité de l'interprétation également. Un début en beauté.

  Le morceau d'après est une petite perfection pop. "Alone Time", très Empire of the Sun dans le chant, beaucoup plus lo-fi dans la musique, ce qui est plutôt une bonne chose, entre guitares exquises et boîte à rythme façon madeleine de Proust. Un des morceaux phares du disque. Dans l'ensemble, la new wave revisitée d'EYEDRESS, légèrement modernisée par une vision moderne à la Ariel Pink du mouvement, fait toujours mouche, cf l'autre excellent single "Toxic Masculinity" pour s'en convaincre.

EYEDRESS - Toxic Masculinity (Clip, 2018)

  Autre gros point fort : l'alternance entre les guitares et les synthés au premier plan, donnant des morceaux plus proches du rock indé dans le premier cas, comme le très The Drums / DIIV "Cocaine Sunday" et la plus apaisée et psychédélique "Cure For Cancer", voire "Be A Better Friend" qui emprunte des idées de mixage au shoegaze. 

EYEDRESS - Be A Better Friend (Live, 2018)

  Et dans le deuxième cas des ballades synthétiques comme les belles "White Girl", "PTSD", "Nice Girl From a Nice Part of Town" et "Young Old Man". Voire la curieuse et très réussie "Sensitive G", clairement inspirée par la G-Funk.

EYEDRESS - Sensitive G (Clip, 2018)

 C'est néanmoins la guitare qui domine l'album, comme l'attestent des morceaux comme "Stay Calm", "Window Eyes" avec Fazerdaze. Ce qui est notable, c'est la variété de sons et de styles de jeu qu'il arrive à tirer de cet instrument, en utilisant à fond toutes les possibilités, allant du shoegaze à la pop indé 90's en passant par la guitare folk façon Mac Demarco ("Suntory Times", "Sleeping On the Couch", "My Child / Old Soul"). Avec en second plan une basse cruciale et des boîtes à rythmes minimalistes mais parfaitement dosées, comme chez la géniale Sneaks. 

EYEDRESS - No Love In The City (Clip, 2018)

  Un autre élément qu'on sent maîtrisé est la construction globale du disque, jonglant habilement entre morceaux calmes, voire contemplatifs ("Babygirl") et morceaux plus hargneux pour faire monter et baisser l'intensité comme l'intense et génial "Xenophobic" et sa basse à la New Order / The Cure insistante et sa voix noyée sous les effets, ou les presque punks (PiL) et gothiques "No Love In The City" et "No Fun", d'une intensité rarement atteinte dans la pop (je n'ai que Sealings en tête).

EYEDRESS - No Fun (Clip, 2018)

  EYEDRESS utilise les référents du post-punk et de la pop indé comme tremplins pour exprimer sa créativité unique, et maîtrise ces genres (et bien plus encore) à la perfection, les assaisonnant de goth, de shoegaze, de synthpop, de folk, de psychédélisme, et j'en passe, pour en ressortir des morceaux concis, immédiats et beaux, sans toutefois faire de concessions sur son son, brut et minimaliste, presque tranchant. Un grand disque. 

Mes morceaux préférés : Ancient Love, Alone Time, Toxic Masculinity, No Fun, Xenophobic, No Love in the City

Ecouter sur Spotify ou Deezer ou Bandcamp

Alex

Sealings - Scum / The Sound Of Music (2018)

  Après I'm A Bastard (2015), que j'avais adoré (et même classé parmi mes albums préférés de l'année), les anglais Sealings reviennent avec la même intensité sur un SCUM / THE SOUND OF MUSIC (sorti chez GOB Nation, label punk basé à Brighton) qui se révèle largement à la hauteur de son pourtant parfait prédécesseur. 

  Guitares bruitistes, basse grondante, boîtes à rythme, bruit blanc, chant d'outre tombe, post-punk, rock gothique, soupçons de glam dévoyés, indus sans concessions : ce cocktail sombre est magnifié par un génie de la dramaturgie certain ("Asda" pose l'ambiance crépusculaire d'entrée de jeu), et par un sens des gimmicks obsédants incontestable (la psyché "Sports", avec un synthé/orgue bien dark). On a même quelques échos d'une synthpop rudimentaire, proche de Suicide et du plus sombre de Depeche Mode, avec de petites touches de The Cure et plus récemment The Horrors ("Having A Dream"), même si là encore une guitare viscérale vient pervertir le tout comme chez les Cramps.

Sealings - Sports (Clip, 2018)

  Ce côté psyché, façon Black Angels également dans l'utilisation de la répétition et d'une esthétique sombre et plombée, donne un certain relief aux morceaux, et une certaine intemporalité, une profondeur, une patine que la plupart des disques n'acquièrent qu'avec deux ou trois décennies dans les pattes ("Charnel Ground"). Et cette alternance entre titres lents et graves (tels "Hanger Lane" et "Charnel Ground") et rythmiques ultra rapides davantage indus (comme "No Telephones" ou "Church") contribue à la construction très efficace de l'album. On notera également sur ces chansons que le groupe, loin d'être seulement un enfant de la post-punk gothique, est plutôt un grand esthète de la pop et du rock de manière générale, avec de petites allusions à des motifs surf, western ou rockabilly jouée par les guitares. 

  En tous cas, l'urgence est toujours là (lancinante "No Justice In The Streets", qui se sert de la synthpop comme base rythmique à un tourbillon de rock psyché agressif comme chez La Femme des débuts) et ne redescend pas tout au cours de l'album. On atteint même des sommets presque Stooges sur un titre comme "Leisure", free punk incontrôlable, sauvage et défouloir mais extrêmement bossé tout de même, sur lequel on ressent l'énergie du live. 

  Dans sa construction, ses sonorités noires, intransigeantes et fidèles à l'esprit post punk/gothique/indus du groupe, ou son exécution vigoureuse, la musique de Sealings est toujours excellente, et ce disque est le digne successeur à la claque de 2015 (I'm A Bastard). 

Mes morceaux préférés : Sports, Having A Dream

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Alex

  

John Maus - Addendum (2018)

  Lorsque John Maus se préparait à sortir le génial Screen Memories (2017), il s'est rendu compte qu'il avait assez de chansons pour deux albums. Il a donc planifié la sortie de cet Addendum qui porte bien son nom. Issu des mêmes sessions en majorité ("1987" et "I Want To Live" étant même déjà sortis),  et avec l'aide de son compère de toujours Ariel Pink pour co-écrire "Privacy", cet album en partage la même origine musicale : des compositions de haute volée de celui qui est capable d'utiliser des techniques de compo du Moyen-Âge avec des gammes orientales tout en sonnant comme un mélange de The Cure, New Order, Depeche Mode, Orchestral Manoeuvres In The Dark et Ariel Pink justement.   

John Maus - Episode (2018)

  Entre le merveilleux et le sombre, le mystérieux et la clarté, ces morceaux sont tous de petits singles déviants en puissance. L'album commence fort, que ce soit avec "Outer Space", propulsé par une basse bondissante, structurée par des éclats synthétiques et terminée par un solo de guitare épique délicieusement kitsch, ou "Dumpster Baby" avec sa mélodie mémorable à la Kraftwerk, son chant grave aux échos gothiques et sa basse implacable. Le premier single, "Episode" fait d'ailleurs dans la pop post-Kraftwerk, quelque part entre la noirceur insondable des premiers New Order et la légèreté pop des premiers OMD, tandis que "Drinking Song" évoque presque les japonais de Yellow Magic Orchestra, avec un twist moderne plus dark façon MGMT, Grimes ou Metronomy période Nights Out. Le côté un peu over-the-top est très présent sur "Running Man", entre néo-80's/retrowave et classique joué avec des synthés sous speed comme chez Wendy Carlos. 

  La basse est un élément majeur de ce disque, c'est souvent elle qui ressort derrière les nappes de synthé et le chant caverneux plein de reverb, comme sur "Figured It Out" "Mind The Droves", ou la géniale et très catchy "I Want To Live" accentuant la comparaison avec New Order. C'est également elle qui donne ce côté pop, mémorable, comme sur "Middle Ages" qui sonnerait presque comme du Pet Shop Boys psychédélique. Le chant structure également certains morceaux d'un point de vue harmonique, comme "Privacy" et ses éclaboussures de synthés métalliques. Mais le plus pop de tous reste le quasi slow "Second Death", qui sonne comme si les Modern Talking avaient été moines. "1987" met également le chant davantage en avant en focalisant le mix sur la boîte à rythme et les synthés rythmiques. 

  C'est donc un superbe album qui tient largement la comparaison avec Screen Memories, qui a la bonne idée d'être concis et de ne comporter que des chansons mémorables, avec une accroche pop évidente permise par le chant assez présent, les synthés aux mélodies accrocheuses et surtout un génie constant dans les lignes de basse. Un très très bon album !

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Alex

Beach House - 7 (2018)

  Le duo Beach House est, à raison, un des chouchous des amateurs de pop élégante. Au long d'une carrière parfaite jalonné d'albums impeccables, ils se sont imposés comme un des grands groupes de leur génération. Après une période prolifique (2 albums en 1 an suivi d'une compilation d'inédits), le duo s'est recentré et a cherché à sortir de sa zone de confort en allant chercher de nouveaux sons, de nouvelles méthodes d'écriture. Et pour cela, ils ont fait appel aux talents de producteur de l'ex-Spacemen3 Sonic Boom, ayant déjà fait des merveilles avec MGMT notamment. 

  Et la démarche du groupe s'entend. Alors qu'ils ont toujours eu un son assez dense, le disque possède une profondeur dans ses textures et ses reliefs encore inédite chez eux. Un côté propulsif nouveau, également, grâce à des rythmiques davantage mises en avant, comme sur l'introductif "Dark Spring", croisant leur dream pop à la new wave expérimentale façon Bowie, ainsi qu'au rock épique du Arcade Fire période The Suburbs. Comment ne pas fondre à l'écoute d'un titre aussi magistral que "Drunk In L.A.", avec son intro irréelle tant elle est belle. Ce morceau est un écrin parfait pour le chant de Victoria Legrand qui captive grâce à la pureté grave de sa voix et grâce à sa diction expressive, tandis qu'Alex Scally tresse des motifs de guitare inoubliables en fond.

Beach House - Dark Spring (Clip, 2018)

  Comme je le disais, le groupe qui se forçait à composer et produire des chansons pouvant être reproduites en live s'est davantage autorisé à expérimenter pour cet album, et sur des titres comme "L'Inconnue", au parfum inattendu de Françoise Hardy voire Charlotte Gainsbourg, cette volonté d'ailleurs fait mouche. Ce charme mystérieux, un peu européen, un peu américain, se retrouve sur "Last Ride", un peu Nico avec son piano triste, et sur "Dive", qui inscrit sa beauté pure dans le sillage des girls band 60's, du Velvet Underground, de Suicide et de Mazzy Star, et qui finit plus rock, quasi indus. Un petit côté psyché-folk aussi, façon Tame Impala ou Melody's Echo Chamber, qu'on retrouvera sur "Lose Your Smile" et ses guitares à la Ratatat. 

Beach House - Dive (2018)

  Leur principale force, c'est avant tout d'écrire des chansons aussi immortelles que "Pay No Mind", qui est aussi belle et essentielle que du Jesus & Mary Chain des deux premiers albums, ou "Lemon Glow" dont la production virtuose (ces synthés acides....) ne doit pas faire oublier le songwriting qui a tout du génial. Le psychédélisme doux et intriguant de ce titre se retrouve sur l'obsédant "Black Car", dont le mixage et le mastering sont marquants par leur utilisation assez inédite de l'espace et des volumes.

Beach House - Lemon Glow (2018)

Beach House - Black Car (2018)

  Entre pop gothique lumineuse et néo-80's, "Woo" émerveille par sa délicate simplicité et ses belles harmonies, tandis que le slow cosmique "Girl Of The Year" dévaste par sa puissance évocatrice proche de leur merveilleuse "Space Song" sur Depression Cherry (2015), avec une mélodie vocale d'une qualité quasiment jazz et d'énormes accords d'orgue invoquant le grandiose, épicés par une guitare déchirante, davantage dans le registre de l'intime. 

  Lorsqu'un des meilleurs groupes de la décennie voit grand et sort l'un des meilleurs (si ce n'est LE meilleur) album de sa discographie, ça donne forcément des étincelles, et c'est exactement ce qu'il s'est passé avec 7. Un monument de dream pop signé Victoria Legrand et Alex Scally, co-produit par Sonic Boom. Des chansons immortelles, une production éblouissante. Un paradis pop.

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Alex

  

Iceage - Beyondless (2018)

  Le groupe post-hardcore danois Iceage nous avait laissé en 2014 son magnum opus, le magnifique Plowing Into The Field Of Love, sur lequel leur son s'était volontiers fait davantage post-punk, entre touches de glam et noirceur gothique. C'est dans cette veine plus accessible mais tout autant vénéneuse, si ce n'est plus encore, que se situe ce Beyondless. 

  Entre poésie noire et punk référencé, "Hurrah" fait penser à Johnny Thunders & The Heartbreakers mais surtout aux Saints aventureux d'Eternally Yours, et sa suite "Pain Killer" utilise les cuivres sur du punk comme les australiens le faisaient en 1978 sur "Know Your Product". Mais "Pain Killer" n'est pas que ça, ce croisement entre fureur, classic rock, chaleur Motown et chant pop grâce à la présence vocale de Sky Ferreira, permettant d'assouvir le double penchant avoué du chanteur Elias Bender Ronnenfelt pour l'underground sombre et lettré et pour la flamboyance des plus grosses rockstars. Un peu à la manière de Nick Cave, qui réalise la synthèse des deux mondes. 

Iceage & Sky Ferreira - Pain Killer (2018)

  Ces cuivres sont réutilisés avec brio sur la très Stooges période Fun House "The Day The Music Dies", d'abord comme contrepoint soul-rock au garage limite psyché, avant de virer free jazz (une des influences déterminantes de l'album, amenant cette instrumentation nouvelle). 

Iceage - The Day The Music Dies (Clip, 2018)

  Sur "Plead The Filth", le blues et la folk dénaturés par le groupe voient également les instruments inhabituels (piano, guitare folk, xylophone) se succéder dans le maëlstrom formé par la guitare, la basse et la batterie, servant de tapis (d'échardes) au chant de Ronnenfelt décidément très Iggy Pop par moments. La quasi country/folk bluesy et déviante de "Thieves Like Us" opère de la même façon, dans un registre plus proche des Doors, ambiance que l'on retrouve sur la pop de saloon absurde de "Showtime", étrangement cousine, d'une façon indirecte, du travail de Foxygen. 

  Plus loin, c'est entre un folk oblique à la XTC, un chant à la Robert Smith de The Cure (influence déterminante tout au long de l'album), une no wave bruitiste et agressive à la Sonic Youth et un free jazz en roue libre qu'il faut chercher les inspirations de la déstabilisante et géniale "Under The Sun", véritable petit monument qui claquerait le bec à n'importe quel passéiste du genre et petit miracle d'équilibre créatif. Cette veine de psychédélisme sombre et de romantisme gothique s'épanouit à merveille sur "Catch It", mélancolique, prenante et belle. 

Iceage - Catch It (Clip, 2018)

  C'est au shoegaze planant et dense de My Bloody Valentine qu'on pensera sur la plombée "Beyondless" et sur "Take It All" (et à la musique irlandaise un peu également sur cette dernière), preuve de l'immense source d'influences digérées par le groupe et de la variété incroyable de leur son. Cette vitalité et ce bouillonnement sont particulièrement bien illustrés sur la pochette, entre coupe histologique, magma d'une composition inconnue, et art contemporain.

Iceage - Take It All (2018)

  C'est un album volcanique, empli de fureur, de mélancolie, d'urgence et de beauté qu'on doit à Iceage, confirmant la belle lancée du groupe après la réussite du précédent en 2014, et asseyant et sa place parmi les groupes de rock les plus intéressants et les plus essentiels de la décennie. A écouter absolument.

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Alex

Jack Stauber - HiLo (2018)

  Jack Stauber est un jeune (22 ans) musicien américain basé à Pittsburgh. Indépendant, il est à la tête de deux groupes, Zaki et Joose, et mène en parallèle sa carrière solo, ce qui fait de lui une des figures de la musique de la ville : il a par exemple joué plus de 100 concerts rien qu'en 2017 au sein de la salle Basement Transmission dans la plus petite ville d'Erie qui fédère toute une scène locale bouillonnante. 

  Je suis tombé un peu au hasard sur lui, un commentaire sous un article du site musical Stereogum mentionnant l'obsession de son auteur pour un court extrait vidéo, sorte de fausse pub en dessin animé pour des bonbons à la menthe, accompagné d'une courte mais obsédante chanson chantée avec une certaine Lexy, j'ai nommé "Peppermint", que je vous laisse découvrir ci-dessous :

Jack Stauber & Lexy - Peppermint (2018)

  A mon tour obsédé par cet exercice de style pop-art post-vaporwave, façon The Who Sell Out version néo-80's/90's et par sa chanson catchy, j'ouvre la page d'accueil de sa chaîne youtube que je pensais d'abord dédiée à de brefs exercices du même style, provenant sûrement d'un étudiant en art plus doué que la moyenne (il y a de nombreux courts-métrages concis, de petits sketches en fait). Je découvre alors que Stauber est avant tout musicien, et j'entends le premier single de cet album nommé HiLo, la belle pop song "Dead Weigh", synth-pop gothique et joueuse à la fois, quelque part entre Ariel Pink et tout un tas d'autres trucs chouettes :

Jack Stauber - Dead Weight (2018)

  Cet album est déjà le 3e en solo de Stauber, mais celui-ci a depuis un peu renié le premier, arguant avoir trouvé son style sur le précédent, Pop Food (2017). Et le moins qu'on puisse dire, c'est que même si la comparaison avec le duo Ariel Pink / John Maus est inévitable tout au long du disque (cf les déglinguées et mémorables "Pad Thai" et "O.U.R."), Jack Stauber a un style très personnel, particulièrement intéressant. Ces influences se retrouvent mêlées à du Metronomy période Nights Out et un chouia d'acid house en fond sur "Cunk", qui vire indie-rock néo-80's puis chillwave et enfin IDM sur la fin. Ce qui est symptomatique de ses morceaux à tiroirs, qui partent dans tous les sens mais n'en font pas trop en même temps, à la manière de la pop zapping post-playlists de MGMT, Ariel Pink, Of Montreal ou Foxygen. 

  Des morceaux plus sombres comme le gothique "Coconut Ranger" peuvent évoquer le post-punk en général et en particulier The Cure, ou New Order ("Databend"), tandis qu'une certaine élégance dans le songwriting fera penser aux Beach Boys, un grain de folie d'une beauté pure à Syd Barrett ou un son de synthé bien trouvé à Homeshake. Sa folie douce et malicieuse évoquera aussi le trublion MacDemarco comme sur le rock indé jazzy de "Leopard" qui se permet une syncope 80's à la Devo ou XTC et un petit détour par la musique de cirque comme un clin d'oeil appuyé aux Beatles de Sgt Pepper. Ces derniers sont rappelés, ainsi que le spectre des Talking Heads, sur la géniale "Beird" (la rythmique aquatique est géniale même si R Kelly avait déjà eu l'idée). Mais si je convie toutes ces influences, ce n'est pas parce tant que sa musique soit si référencée que ça ou même passéiste, surtout pas. Elle est très moderne et personnelle, au contraire. Non, ces analogies sont surtout un moyen de décrire une musique très riche, libre et difficilement à ranger dans des cases trop étroites.  

  Il sait se faire également funky dans "John & Nancy" lointaine descendante de Chic au songwriting rappelant l'alchimie magique entre Nile Rodgers et David Bowie sur Let's Dance. Et puis émouvant comme sur l'intense et plutôt déchirant "It's Alright", chanson qui illustre à merveille la difficulté de réconforter ou le déchirant déni qui aide parfois à tenir. La fragilité de ce morceau, sa sensibilité insistante et son côté dramatiquement inévitable la rendent parfaite dans son genre. De même que la superbe "Small World", quasi folk indé, agrémentée quelques textures électroniques que n'auraient pas reniés les Animal Collective, et qui arrive également à percer nos petits coeurs sans effort. 

  Souvent, ces démarches s'entrecroisent et le goofy rencontre le funky comme sur "Gettin' My Mom On", entre Stevie Wonder et une comptine jouée sur un synthé cheap (on pense fort aux Blludd Relations là). Ou sur la pop chorale extatique de "Pizza Boy" entre glam rock façon Sparks, pop héroïque à la Arcade Fire et électronique pouet pouet. 

  L'album se termine sur un son de télévision qu'on éteint, qui clôt la boucle entamée avec "Peppermint", mettant ainsi fin à un des albums les plus inattendus et les plus jouissifs de cette années 2018. Entre collages, pop art, grandes chansons, émotion, fun et sons géniaux, Jack Stauber vient définitivement de se faire un nom dans la liste des défricheurs pop incontournables. 

Ecouter sur son Bandcamp, ou son Soundcloud, ou Spotify, ou Deezer

Alex

JPEGMAFIA - Veteran (2018)

  JPEGMAFIA est un rappeur-producteur, descendant d'une lignée de rappeurs particulièrement inventifs n'en faisant qu'à leur tête et mélangeant tous les sons  qu'ils voulaient à leur hip-hop sans se soucier d'être trop peu accessible ou d'en faire trop. On pense à Ol' Dirty Bastard (samplé ici), qui sur Return To The 36 Chambers : The Dirty Version (dont la pochette est évoquée dans l'artwork) poussait plus loin l'esthétique radicale de Wu-Tang Clan, en injectant un esprit punk et des dissonances atonales quasi bruitistes dans un rap parfois granuleux, parfois très accessible. Ou plus récemment, on peut penser aux papes du rap industriel, les Death Grips, eux aussi portés sur l'électronique dissonante et les influences punk, et capables également de mélanger maelstrom noise et digressions quasi synthpop plus consensuelles. On a de tout ça sur Veteran, dont le titre évoque le fait qu'à 28 ans, il ne se sent plus comme un débutant, ainsi que son appartenance passée à l'armée.

Vous voyez la référence ?
Au-dessus : pochette alternative de Veteran, représentant un faux permis de taxi de JPEGMAFIA

Au-dessous : pochette de l'album d'ODB, représentant un faux coupon d'aide alimentaire

  L'album commence doucement avec "1539 N.Calvert", sorte de trap rêveuse et très propre, proche de la pop électronique la plus douce, à peine pervertie par des samples de voix issus de sources diverses (match de catch...), quelques glitches, puis enfin par le rap sec et affirmé de JPEGMAFIA. Pour le coup, cette magnifique piste, très douce, c'est le calme avant la tempête. Dès "Real Nega", qui sample un bruit de gorge d'Ol Dirty Bastard justement, le côté punk et industriel ressort bien, avec une rythmique agressive et des samples oppressants comme tapis pour un rap toujours rèche et assez punk. Cependant, le morceau se termine sur une note plus nostalgique, avec un sample de voix d'enfants et un son de guitare dream pop plein de reverb.

JPEGMAFIA - 1539 N.Calvert (2018)

JPEGMAFIA - Real Nega (2018)

  Sur "Thug Tears", c'est l'inverse, c'est le morceau qui est doux et autotuné, quasi-rnb, et qui est parasité par des textures IDM proches d'Autechre, des rythmiques saccadées et des flashes de rap. Par contre, pour "Baby I'm Bleeding", JPEG joue entre les limites du supportable et de l'addictif avec  une malice non feinte et un esprit rebelle en répétant et triturant ad nauseum un sample de voix ultradécoupé et en s'en servant comme d'un support pour un rap assez old school au ton revanchard. Et en plus, il en rajoute en perçant le morceau de secousses indus. Mais comme c'est hyper bien construit et qu'on est un peu maso, on en redemande. 

JPEGMAFIA - Thug Tears (2018)

JPEGMAFIA - Baby I'm Bleeding (Clip, 2018)

  Tout l'album oscille entre beauté étrange et brutalité. Côté plus "accessible", on a de l'électro-rap ("Panic Emoji") de l'Aphex Twin croisé avec le rap ("1488", "DD Form 214" et son côté soul, "I Cannot Fucking Wait Until Morrissey Dies" et son autotune moqueuse), voire même un croisement entre rap et rock indé ("Macaulay Culkin") ou une prod post-trap moderne à la Travis Scott avec un côté post-punk synthétique et gothique ("Williamsburg", "Rainbow Six").

JPEGMAFIA & Yung Midpack - Rainbow Six (2018)

  D'un autre côté, on a de l'indus exigeante et brutale ("Rock N Roll Is Dead", "Whole Foods") ou moins frontale avec quelques échos trap ("Curb Stomp", ou "Libtard Anthem" qui sonne comme si Young Thug faisait un feat avec Death Grips). Avec quelques sorties de route comme l'électrofunk (on entend des échos lointains de Prince, de P-Funk, voire de Delegation) déglinguée et minimaliste de "Germs".

  L'album n'est pas évident à appréhender, il ne plaira pas à toutes les oreilles, mais c'est une vraie expérience et une putain de réussite en termes d'expérimentation. L'approche "je fais le rap du futur" était ambitieuse, mais avec le nihilisme et le rien à foutre qu'il a injecté dans ce projet, JPEGMAFIA a relevé ce défi dingue, et sorti une oeuvre sans pareil, personnelle et impressionnante tout en étant intellectuelle, viscérale voire sauvage et souvent fun. En un mot : incroyable.

Ecouter sur Spotify ou Deezer ou Bandcamp ou Youtube

Alex

MGMT - Little Dark Age (2018)

   Fun et sophistiqué, c'est la description qui colle le mieux à cet album. Fun, dès le premier morceau, synthpop entre Buggles, Yellow Magic Orchestra et psyché fun et électronique façon Flaming Lips période Yoshimi sur "She Works Out too Much". La voix de Cellars embellit ce morceau à la ligne de synthé-basse bondissante et japonisante dans son alliance de complexité jazz et de vitesse mécanique irréaliste façon jeux vidéo. Sophistiqué, sur le même morceau, car les nombreuses couches de clavier, les effets, le beat se percutent avec une grâce certaine et un sens du groove indéniable. Le mille-feuille rappelant presque le jazz fun, basé sur la basse, volontiers électronique et japonisant de Thundercat, surtout en fin de morceau lorsqu'un saxo mi-free mi-kitsch 80's s'invite sur la piste. 

MGMT - Little Dark Age (2017)

  On connaissait déjà les excellents singles "Little Dark Age", tube de synthpop gothique triste et euphorisant à la fois au lignes de syntéh inoubliables et au refrain libérateur, l'également très bon trip pop-folk psychédélique de "When You Die", réalisé avec l'aide d'Ariel Pink dont l'influence plane sur ce disque avec ce subtil alliage de second et de premier degré dans le traitement de musiques accessibles (pop 80's) et plus confidentielles (psychédélisme 60's). Et puis "Hand It Over", dont on vous a parlé dans le bilan de nos morceaux préférés de janvier, très jolie capsule temporelle nous renvoyant tout droit à l'époque de Congratulations (2010) et petit classique instantané très émouvant.  

MGMT - When You Die (2017)

  Et puis on a découvert le très bon "Me And Michael" juste avant la sortie du disque, réminiscence des sous-estimés rois de la pop 80's la plus flamboyante et dark à la fois, j'ai nommé les Pet Shop Boys. Mais ce single arrive à transcender sans problème son statut de pastiche en se payant le luxe d'être complètement hors du temps grâce à une mélodie inoubliable et un juste dosage des arrangements. 

MGMT - Me And Michael (2018)

  Il nous restait donc à découvrir la seconde partie du disque, qui se permet d'être plus expérimentale après ce déluge de singles. Et c'est "TSLAMP" pour "time spent looking at my phone" qui oscille entre Daft Punk, reggae/dub et musique synthétique post-80's inspirée par l'Afrique (Sébastien Tellier période Politics, Toto période "Africa", Paul Simon, etc...). Un bon petit morceau bien funky. Le côté dub est également bien exploité sur "Days That Got Away", avec là encore un traitement des filtres riche faisant sonner les synthés comme sur le Discovery des Daft, avec une touche psyché en plus et un petit côté africain (on ne serait pas étonné d'apprendre que le groupe a beaucoup écouté le génial Mammane Sani, king du synthé du Niger), et des voix proche de ce qu'on pourrait attendre de Bee Gees période disco sous champis. En parlant de ça, sur la grandiose "When You're Small" c'est le côté psyché qui prend le dessus, avec un retour aux influences premières du groupe : Flaming Lips, Syd Barrett, Dan Treacy, Beatles, Sagittarius, The United States Of America. 

  En revanche, on revient à la synthpop sous influence Ariel Pink avec "James", dont le traitement du chant rappelle Pink mais aussi les suiveurs d'Empire Of The Sun et dont la prod agréablement chill aux accents jazzy et psyché ravit. Equivalent slow de "Me And Michael", c'est une vraie réussite. 

  Sur "One Thing Left To Try", le déluge de synthés est également de retour, mais de façon plus théâtrale et baroque, quasi glam, entre Sébastien Tellier, Electric Light Orchestra, Empire Of The Sun, Niki & The Dove et Currents de Tame Impala.

  En bref, cet album est une sacré réussite, un gros kiff pour le fan absolu du groupe que je suis, mais qui pourrait également plaire à un grand nombre tant ces morceaux sont beaux et accessibles pour la plupart. 

A écouter absolument (sur Spotify ou Deezer).

Alex